Bienvenue au paradis

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Come See the Paradise (Bienvenue au paradis) d’Alan Parker (1990)

Jack Mac Gurn est un syndicaliste actif. Il milite pour le syndicat des projectionnistes. Mais depuis quelques temps, la mafia utilise des méthodes de persuasion plus musclé (nous sommes en 1936). Chassé par le syndicat, il se retrouve à Los Angeles où il travaille pour un cinéma du « Petit Tokyo » appartenant à monsieur Kawamma.

Il tombe amoureux de Lily, la fille aînée de monsieur Kawamma, mais celui-ci ne veut pas de lui pour gendre. Jack et Lily partent se marier à Seattle.

Après Pearl Harbor, les Japonais sont « regroupés » dans des camps. Jack est séparé de Lily et de leur petite fille Lily. Lui-même est mobilisé.

Dénoncera-t-on assez les méfaits du politiquement correct ? Alan Parker a remporté son plus grand succès avec Midnight Express, un triomphe international, incompréhensible et imbuvable. Au moins, celui-ci n’avait rien de politiquement correct : il était ouvertement raciste, intolérant et fascisant. Non que je prenne les prisons turques pour le paradis terrestre, mais de là à encenser le « pays de la liberté » à travers les sévices subis par un petit trafiquant de drogue, il ne faudrait pas exagérer.

Evidemment, dans Bienvenue au paradis, Parker se fait plus prudent : certes les méchants racistes sont ici américains, mais ce racisme est très peu « incarné » puisqu’il est le fait d’une administration qui fait subir plein de problèmes à tous ces Japonais qui , d’ailleurs, ne sont pas tous des braves gens. Le réalisateur s’appesantit alors sur le repli sur soi, l’intolérance et le nationalisme exacerbé de ces « Jaunes » qui, bien que vivant aux Etats-Unis, ne se sont jamais vraiment adaptés.

Du coup, la dénonciation se fait beaucoup plus mitigé et comme Alan Parker n’a jamais eu l’ombre du quart du huitième du talent qu’on lui prête (surtout chez nous !), sa charge « nuancée » n’a plus aucune valeur. Les scènes sentimentales, voire lacrymales, se multiplient, mais elles n’émeuvent à aucun moment. L’interprétation est d’autant plus remarquable qu’on sent bien qu’ils n’ont pas été dirigés. Tamlyn Tomita , Dennis Quaid et « leur » petite fille sont très beaux. C’est tout ce qu’on peut sauver de cette fade mélasse.

Mesdames et messieurs, bonsoir

M

Signore e signori, buona notte (Mesdames et messieurs, bonsoir) (1976)

de Luigi Comencini, Mario Monicelli, Ettore Scola, Nanni Loy et Luigi Magni

·       Un milliardaire qui a été enlevé veut faire payer sa rançon par ses ouvriers.

·       Un entretien avec un ministre corrompu

·       Un cours d’anglais pour agents secrets américains

·       Un réveil matin qu’on prend pour une bombe

·       Un très jeune Napolitain pauvre est le soutien de toute sa famille. Il finira par se suicider.

·       Le cannibalisme présenté comme une solution à l’immigration…

… et bien d’autres histoires.

1976, c’est l’année au cours de laquelle le lamentable Berlusconi inaugure la première chaîne, Telemilano, qui sera ce qui deviendra, deux ans plus tard, la « Fininvest », l’une des nombreuses « blanchisseries berlusconiennes ».

Et cette « annus horribilis » pour un cinéma qui fut l’un des plus prospères depuis la naissance du septième art va effectivement voir un naufrage qui va durer près de trois décennies.

Car, en plus du « cavalliere », le cinéma italien de ces années-là eut à faire face à d’autres catastrophes : ce film en fait partie.

Les films à sketches, très en vogue en Italie dans les années 60, eut souvent le gros défaut d’être inégal. Certains de ces films étaient d’autant plus inégaux que les sketches étaient nombreux et le contraste était encore plus frappants lorsque les réalisateurs étaient nombreux.

Ici, nous avons 5 réalisateurs et 18 sketches. Mais le film n’est pas inégal. En fait, mis à part deux ou trois publicités un peu rigolotes et le sketch, pas rigolo du tout, du gamin napolitain, soutien de famille qui se suicide, le film est très unanimement mauvais ; ça va du lourdingue au franchement cradingue. On a même droit à un sketch de gros pipi-caca, celui du général qui perd sa médaille dans… disons… les toilettes pour essayer d’être délicat !...

Le film, lui, n’essaie même pas. Incontestablement, des trucs comme ça ont été pires que Berlusconi pour le cinéma italien.

Les Combattants

 

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Les Combattants (2014) de Thomas Cailley

Arnaud Labrède a perdu son père il y a quelques mois.

Son frère Manu essaie de faire tourner l’entreprise familiale de menuiserie, mais il a beaucoup de mal à y arriver malgré l’aide de leur mère Hélène et de son frère Arnaud.

Arnaud fait la connaissance de Madeleine, une jeune fille sévère d’apparence virile qui voudrait faire un stage militaire de survie qui lui permettrait de réaliser son rêve : être recrutée dans un commando des forces spéciales.

Très épris de Madeleine, Arnaud abandonne l’entreprise familiale pour suivre le stage en question.

Il y quelques années, un premier film contenait, au mieux, quelques promesses et un cinéaste en devenir, au pire, les tics agaçants d’un jeune et prétentieux boutonneux en qui les critiques peu avisés, souvent déboussolés, mais généralement prudents, voyaient une sorte d’Orson Welles réincarné.

Plus tard, les mêmes critiques faisaient remarquée sur un ton professoral et pontifiant de vieux con que Welles avait 25 ans lorsqu’il réalisa Citizen Kane lorsqu’on avait le malheur d’encenser le premier film d’un réalisateur de trente ans.

Les deux attitudes coexistent encore (souvent chez les mêmes personnes) et plus le temps passe, plus c’est exaspérant !

Les Combattants est le premier long métrage de Thomas Cailley et il a 34 ans. Il est estampillé cinéphile (avec le côté boy-scout qui va avec). De ce fait, on pourrait s’attendre à un premier film à la fois prétentieux et besogneux.

Les Combattants n’est ni l’un, ni l’autre. A l’inverse de son héroïne, il ne récite pas bêtement les dix commandements du parfait cinéaste comme elle récite la bible de la fille lucide, forte et écolo qui doit estimer qu’il faut souffrir pour être belle, intelligente, musclée et, surtout, « survivante » au milieu de l’apocalypse qui nous guette. Certaines scènes font rire (les tuiles dans le sac à dos pour plonger dans la piscine, les explications de l’instructeur en ce qui concerne les grenades), d’autres provoquent un haut-le cœur (c’est peu dire : je parle bien sûr de la scène où Madeleine met un maquereau entier et cru dans le mixer et boit d’un coup ce « jus de poisson »).

Mais Madeleine ne réalisera pas son rêve militaire, car elle a oublié, et c’est là que le personnage est sympathique, que la première vertu du militaire, c’est l’obéissance (« sans murmure et sans états d’âme » comme on disait dans les années 30).

Madeleine pense et dit ce qu’elle pense, ce qui n’est pas très soluble au sein de la « grande muette » et lorsque le lieutenant instructeur, con galonné un petit peu trop caricatural, explique que la seule façon de se sauver d’une grenade, c’est que l’un des soldats se sacrifie en se couchant dessus, la jeune fille ne manque pas de faire remarquer que « c’est complètement con ! Personne ne va faire ça ! ».

Puis, le film après un détour bucolique (le passage le plus faible, à mon sens) nous plonge dans une sorte d’apocalypse qui ressemble aux sinistres prévisions de Madeleine.

C’est drôle, impertinent, vif et mis en scène sans esbroufe, mais avec beaucoup d’efficacité.

Adèle Haenel porte le film à bout de bras dans un personnage autrement plus intéressant que l’Agathe chialeuse de Téchiné.

Il est peut-être dommage que Madeleine soit l’unique personnage du film et ce jeune Arnaud a bien du mal à la suivre, ce qui finit par nous donner l’impression que Kevin Azaïs a autant de mal à suivre Adèle Haenel.

Dans les seconds rôles, on remarque William Lebghil habituellement bon dans des rôles médiocres d’ado taré et Brigitte Roüan dans le rôle de la mère d’Arnaud dont on regrette de ne pas la voir plus dans le film.

Certains films ne sont que prometteurs. Celui-ci est bon, tout simplement.

Guerrière

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Kriegerin (Guerrière) de David Wnendt (2011)

 Marisa a vingt ans. Elle fait partie d’un gang de néo-nazis dirigé par son petit ami dans le nord de ce qui fut la R.D.A. Elle vit avec sa mère qui lui témoigne une grande froideur et rend de fréquentes visites à son grand-père, ex-officier dans la SS, qui l’a « éduquée ».

Elle passe son temps à insulter et à cogner tout ce qui n’est pas allemand.

Dans le supermarché que tient sa mère et où elle est caissière, Marisa voit passer deux jeunes réfugiés afghans qu’elle refuse de servir dans un premier temps.

Au sein du gang, l’un des garçons amènent une fille de quinze ans, Svenja, en révolte contre son beau-père et fascinée par le nazisme.

On reproche souvent à notre société de souffrir de jeunisme. Comme les critiques cinématographiques aiment bien se singulariser, ils sembleraient souffrir, quant à eux, de gérontophilie galopante.

Que tel réalisateur ayant passé les 75 ans ponde sur pellicule, plutôt que dans une couche « Confiance », ce qu’il fait est forcément sublime (ça peut aller jusqu’à une Palme d’Or !).

Mais lorsqu’un Allemand de 36 ans réalise son premier long métrage sur un sujet fort (les résurgences néo-nazis dans ce qui fut la R.D.A. qui ne connut pas la « dénazification » de sa sœur jumelle et occidentale, la R.F.A.), le film est accueilli, au mieux, par des mines compassées.

En 1989, le mur de Berlin tombait et, avec lui, tombait le communisme, la R.D.A., la Stasi, mais également un travail pour chacun. La population, déboussolée, découvrait le chômage, la drogue, l’immigration et le vieux démon nazi (une bête qu’on s’était contenté de congeler) pouvait se réveiller en pleine forme après plus de cinquante ans de sommeil léthargique.

Après Barbara de Christian Petzold, David Wnent nous offre un portrait de l’ex-R.D.A., mais celle d’aujourd’hui, cette fois.

Soyons honnête, son film n’a pas la force de celui de Petzold. Il est plus démonstratif, moins fin.

Mais il est porté par une réalisation plus inspirée que brillante et un scénario juste un peu simpliste.

Il est surtout porté par Alina Levshin (Marisa) et un tout jeune débutant (afghan) Soled Ahmad Wasil Mrowat dans le rôle du jeune Rasul et la toute jeune (mais non débutante) Jeela Haase dans le rôle de Svenja, prête à prendre le relais (nazi) de Marisa en rupture de ban, mais dont on espère, c’est ce que sous-entend le film, qu’elle changera d’avis après le drame final.

Un film à voir donc, dans lequel la violence physique laisse peu à peu la place à la violence idéologique des doctrines dégénérées.

Le Silence des autres

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El Silencio de Otros (Le Silence des autres) d’Almudena Carracedo et Robert Bahar (2018)

À la suite des élections, la seconde République Espagnole est proclamée le 14 avril 1931. Cinq ans plus tard, de nouvelles élections portent le Fronte Popular au pouvoir. Mais le 17 juillet 1936, les militaires menés par la général Francisco Franco entre en rébellion et, au terme de trois ans de guerre civile, ils remettent la monarchie sur le trône avec l’aide de Mussolini et Hitler.

Franco restera au pouvoir du 1^er avril 1939 au 20 novembre 1975, date de sa mort. Il se fera nommé « Caudillo » (chef de guerre en espagnol).

La dictature franquiste est responsable de 200 000 morts sur la période de 1939 à 1959.

Dans toute l’Espagne, il y a des fosses communes et les descendants des victimes du franquisme exigent de « récupérer leurs morts ».

Mais les lois d’amnistie votés par la majorité du Parti Populaire (rien à voir avec le Front du même nom !) à l’égard des nervis franquistes ne facilitent pas les choses.

Et c’est une juge argentine qui va porter plainte au nom de citoyens espagnols ou argentins d’origine espagnole, fils et filles de suppliciés du franquisme.

La force des ganaches qui ont asservis des populations civiles pendant un temps plus ou moins long (7 ans pour l’Argentine, 16 ans pour le Chili, mais 36 ans pour l’Espagne), c’est qu’elles ont suffisamment de complices, toujours au pouvoir après le retour de la démocratie, pour se faire voter des lois d’amnistie.

Mais lorsque certains de ces crimes relèvent (et c’est souvent le cas !) du crime contre l’humanité, une loi d’amnistie nationale ne peut rien contre des lois internationales et leur imprescriptibilité.

C’est pourquoi la juge argentine Servini a pu attaquer l’Espagne au nom de plaintes portées en Argentine par des victimes ou des descendants de victimes du franquisme.

C’est cette plainte qui relança le débat sur les crimes de la période et, par voie de conséquence, qui fut à l’origine de ce passionnant documentaire produit par Pedro Almodovar.

Sans pathos, sans esprit revanchard, il nous montre les victimes et leur chagrin, un chagrin ancien, mais qui visiblement ne s’éteindra qu’avec ceux qui l’éprouvent !

Et même au-delà, comme dans le cas de María Martín, cette très vieille dame (qui décédera au cours du tournage) qui vient fleurir une bretelle d’autoroute qui a été construite sur un des nombreux charniers franquistes dans lequel a été jeté la dépouille de sa mère.

La force de ce film, c’est que lui aussi demande justice au nom de toutes ces victimes qu’une loi inique (la loi d’amnistie de 1977) a privé de tout recours. Il leur laisse la parole, ce que personne n’a jamais voulu faire.

Tels que, tous ces témoignages bouleversants (encore un mot galvaudé et qui, pour une fois, ne l’est pas !) se succèdent en un montage d’une intelligence et d’une sensibilité rares.

Colonia

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Colonia (2015) de Florian Gallenberger

Nous sommes en septembre 1973. Lena est hôtesse de l’air d’une compagnie qui fait le voyage Allemagne-Chili.

Grâce à son travail, Lena rejoint son compagnon Daniel, également Allemand, qui est étudiant à Santiago.

Le jeune homme participe à toutes les manifestations de soutien au pouvoir menacé de Salvadore Allende. Il est dessinateur et auteur de beaucoup des affiches qu’on trouve dans les facultés.

Mais un matin, le 11 septembre, l’armée dirigée par le général Pinochet prend le pouvoir et les opposants sont arrêtés.

Daniel est enlevé et Lena enquête pour le retrouver. Elle apprend qu’il est détenu dans le nord du pays, à la Colonia Dignidad, une secte transformée en camp de concentration au service du nouveau pouvoir et dirigée par un gourou allemand, Paul Schäfer.

Une fois de plus, nous sommes dans un film « basé sur des faits réels ». Mais le scénario est complètement invraisemblable.

De plus, cette production franco-luxemburgo-allemande a été presqu’intégralement tournée… en anglais. Seuls quelques soldats parlent espagnol pendant le putsch de sinistre mémoire.

Voilà donc un film qui parle du putsch de Pinochet, commandité par les Etats-Unis et d’un camp de concentration, tenu par un ex-SS devenu pasteur luthérien, recherché en Allemagne pour faits de pédophilie et devenu homme de main du pouvoir militaire, bref, une histoire passionnante, et ce film ne s’intéresse qu’à une romance nunuche.

D’ailleurs, le film occulte complètement le passé de Paul Schäfer comme brancardier de la Waffen SS.

La Colonia Dignidad ne date pas du coup d’état de 1973. Elle a été créée en 1961 par des « expatriés » allemands, des Allemands arrivés au Chili (comme beaucoup d’autres en Argentine) à la fin des années quarante, on ne sait pas trop pourquoi !...

La secte est, officiellement, une colonie agricole. Elle est très protégée par le pouvoir et Schäfer, nostalgique du 3^ème Reich, y règne en maître absolu.

Après le coup d’état, la Colonia Dignidad deviendra également un centre de torture, une usine d’armement et une école d’entrainement.

En mars 1977, Amnesty International publie une enquête très complète, mais l’antenne allemande de la colonie (eh oui, il en existait une !) obtient d’un juge l’interdiction de diffusion.

La colonie a continué ses activités encore trente ans. Elle est devenue un centre touristique en 2007 sous le nom de Villa Bavaria (toujours l’Allemagne !).

La Colonia Dignidad a fait l’objet d’un livre en français paru en 2004. Parmi les « titres de gloire » de la Colonie, on mentionne même le passage du sinistrement célèbre Mengele. On comprend donc que le fait que tout cela ne puisse servir que de toile de fond à une histoire sentimentale « so romantic » peut agacer.

La mise en scène est très efficace, sans génie excessif. Le suspense des dernières séquences est remarquable.

En résumé et compte-tenu des réserves émises (sous exploitation de la réalité politique de l’époque et emploi de la langue anglaise), le film se laisse voir, même s’il est très inférieur à ce qu’on aurait pu en attendre.

Emma Watson est excellente et Daniel Brühl est plutôt meilleur que d’habitude. Michael Nykvist interprète Schäfer et il est tout à fait remarquable.

Mais celle qui m’a réellement impressionné, c’est Richenda Carey, superbe dans le rôle de Gisela, la garde-chiourme tortionnaire-victime de Schäfer. En plus de son extraordinaire talent, c’est sa ressemblance troublante avec notre regrettée Bernadette Lafont qui m’a troublé.

Ni déshonorant, ni remarquable, Colonia se laisse voir.

Silent Running

 

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Silent Running (1971) de Douglas Trumbull

Sur un vaisseau interstellaire, Freeman Lowell est chargé de l’entretien de gigantesques forêts plantées dans quatre serres après la disparition de toute végétation sur terre.

Mais les autorités décident de faire sauter les quatre serres. Les trois compagnons de voyage de Lowell s’exécutent, mais il ne peut s’y résoudre. Il tue ses trois collègues et, pour s’éloigner des autres vaisseaux, il se dirige vers Saturne.

Ainsi isolé, il se retrouve seul avec trois robots pour diriger son vaisseau et sauver sa forêt.

Une preuve de plus, s’il en était besoin, que les meilleures intentions ne font pas toujours (et font même rarement) les meilleurs films.

Certes Silent Running contient de jolis moments, notamment dans les rapports entre Lowell et ses robots Riri, Fifi et Loulou (sic !). Et la dernière demi-heure est parfois émouvante.

Mais trop, c’est trop ! Avec ces « adorables petits lapins posés sur leurs petits culs », ses petits robots qui finissent par ressembler à des lapins (bien, qu’en fait, ils soient les frères aînés des robots de Star Wars), son écologie abstraite (très années 70) et les chansons de Joan Baez, la mièvrerie post-soixante-huitarde de ce machin relègue E.T. au niveau du cynisme des Rapaces de Von Stroheim ou de La Soif du mal de Welles.

Cold in July

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Cold in July (2014) de Jim Mickle

Richard Dane est réveillé par sa femme qui vient d’entendre un bruit dans leur maison.

Il surprend un cambrioleur et le tue.

Considéré comme un héros dans la petite ville texane qui est la sienne, Richard sympathise avec Ray Price, le flic chargé de l’enquête. Celui-ci lui apprend que le cambrioleur était Freddy Russell, un jeune voyou dont le père vient de sortir de prison.

Et ce père menace Richard et sa famille.

Price annonce à Richard que Russell a été arrêté au Mexique, mais Richard s’aperçoit que l’homme qu’il a tué n’est pas Freddy Russell.

Présenté comme ça, on se dit que ça peut être un bon polar, faute d’être un chef d’œuvre.

Malheureusement, ça ne parvient jamais à décoller et ça finit par ressembler à un mauvais téléfilm, le rythme en moins.

Le scénario est truffé d’invraisemblances (à commencer par l’implication de ce bon gentil bourgeois dans une histoire qui le dépasse), la réalisation est poussive et le casting  (Michael C. Hall, Don Johnson et Sam Shepard) se contente du minimum syndical avec quelques poussées cabotinesque.

On s’ennuie un peu et, heureusement, on a tout oublié à peine sorti de la salle.

The Silver Cord

 

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The Silver Cord (1933) de John Cromwell

Un jeune marié amène son épouse pour la première fois dîner chez sa mère, alors que son jeune frère est, lui, accompagné d’une jeune fille qu’il veut épouser. Mais leur mère, possessive à l’excès, n’accepte pas de perdre ses fils. Doucereuse, mielleuse et retors, la vieille ne fera qu’une bouchée de la jeune fille, mais aura un peu plus de mal avec l’épouse de son fils aîné.

Classique jusqu’à la platitude, The Silver Cord souffre indéniablement de son origine théâtrale, comme de son interprétation théâtrale.

Laura Hope Crews, dont on se souvient des adorables anglaises qu’elle portait dans le rôle de la tante Pittypat d’Autant en emporte le vent, se tire à merveille d’un rôle difficile. Le reste de la distribution est plus convenue : bien que les talents de Joel Mac Crea, Irene Dune et Frances Dee ne soient pas en cause, ils en font trop, ou pas assez. On comprend bien qu’ils n’ont pas été dirigés du tout. Avec un peu plus de finesse et une direction plus musclée, le film eut pu être, sinon un chef d’œuvre, du moins un film attachant. C’est dommage !

 

 

 

 

Noix de coco

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The Cocoanuts (Noix de coco) de Robert Florey et Joseph Santley (1929)

Monsieur Hammer tient un hôtel à Cocoanut Grove en Floride. L’hôtel est au bord de la faillite et Hammer ne paie plus ses employés depuis longtemps.

Sa principale cliente est madame Potter, une veuve très riche accompagnée de sa fille Polly, amoureuse de Bob Adams, architecte sans client et contraint d’être concierge de l’hôtel.

Pénélope, avec l’aide de Yates, amoureux éconduit de Polly, vole un collier de grande valeur dont madame Potter est propriétaire. Adams est accusé.

Une idée reçue veut que l’humour verbal vieillisse bien ; ce film en est un démenti flagrant.

La logorrhée « grouchienne » est rendue encore plus indigeste dans ce premier film des Marx par la technique sonore, brouillonne et balbutiante. Les dialogues sont pénibles, les gags lourds, l’interprétation insupportable et la mise en scène inexistante.

Si on ajoute à cela des numéraux musicaux miteux, encombrants et barbants (le « musical » n’a jamais été une spécialité de la Paramount) qui évoquent plus une fête de fin d’année dans un hospice que la reprise d’une pièce de Broadway, on aura compris que ce premier film des Marx n’est pas à classer parmi leurs réussites.

Simone Barbès ou la vertu

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Simone Barbès ou la vertu (1980) de Marie-Claude Treilhou

Simone Barbès est ouvreuse dans un cinéma porno du quartier Montparnasse. Elle y passe donc toute la soirée avec sa collègue Martine, puis se rend dans une boîte de lesbiennes où elle va chercher son amie.

C’est le type même de la fausse bonne idée de scénario. La scénariste-réalisatrice ne sort pas de ce qui n’aurait pu être qu’un très banal court-métrage. Pour faire bonne mesure, elle nous inflige une interminable deuxième partie dans sa boîte de lesbiennes, puis une troisième sur la solitude d’un croupier dragueur entre deux âges.

A la lecture du générique de fin où on décèle la participation d’une partie d’un certain gotha de la profession, on s’explique le ton plus qu’indulgent qu’adoptèrent les critiques lors de la sortie de ce petit produit crapoteux, lourdingue et mal fichu.

Coco

 

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Coco (2017) de Lee Unkrich et Adrian Molina

L’arrière-grand-père de Miguel était musicien. Et c’est à cause de la musique qu’il a quitté sa femme et sa fille Coco.

Du coup, la musique est totalement prohibée dans la famille qui devient après le départ de l’indigne musicien une famille de chausseurs.

Mais trois générations plus tard, Miguel ne veut pas s’occuper de chaussures. Il n’aime que la musique, mais n’ose pas l’avouer à sa famille.

Le parent dont il est le plus proche, celle qu’il aime et à qui il se confie, c’est son arrière-grand-mère, Coco qui fut la petite fille du musicien et qui espère toujours que son papa va revenir.

Mais Coco est une très vieille dame et n’a plus toute sa tête.

Nous sommes la veille du jour des morts, « El Dias des los muertos », le jour où l’on doit rendre hommage à ses morts en affichant leurs photos.

Et en voulant rendre hommage à son « dieu » Ernesto de la Cruz, comédien-chanteur aujourd’hui décédé, Miguel se retrouve propulsé dans le « royaume des morts ».

Le thème musical générique de la  Compagnie Disney, If you Wish Upon a Star nous met déjà dans l’ambiance « mexicaine » telle que la perçoivent les Américains, sur un rythme très « latino ».

Alors bien sûr, ce Mexique-là, c’est le folklore mexicain « à l’américaine », comme le Parisien avec baguette et béret, l’Italien qui parle avec les mains et drague avec une mandoline ou l’Espagnol au caractère sanguin avec castagnettes.

Mais il faut reconnaître que, pour une fois, il s’inspire du folklore pour mettre en avant et, signe des temps, avec beaucoup de respect, une institution du Mexique, le jour des morts.

On est très loin du passage à la moulinette disneyenne des contes célèbres (Blanche-Neige, Cendrillon…) et/ou philosophiques (Peter Pan, Pinocchio…) la représentation du royaume des morts est pleine d’invention, drôle et émouvante.

Il y a une idée par plan et c’est probablement un film à revoir, car on doit rater pas mal de choses.

C’est un film qui éblouit, qui surprend, qui émeut et qui amuse.

Un bien beau film qui a inauguré mon année 2018 cinématographiquement et j’en suis bien heureux.

J’espère que c’est de bon augure.

Tous en scène (2016)

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Sing (Tous en scène) de Garthe Jennings (2016)

Buster Moon, koala par nature et directeur de théâtre par profession, dirige comme il peut la belle salle qu’il a réussi à acheter à force de travail.

Mais sa principale occupation consiste à fuir les créanciers avec l’aide sa dévouée - mais peu vive ! – secrétaire, Miss Crawley (un lézard).

Dans l’impossibilité de monter un nouveau spectacle, il décide de réunir ce qui lui reste (environ 1000 dollars) pour organiser un concours de chant.

Mais suite à une « mauvaise manipulation » de Miss Crawly (et de son œil de verre !) lors de l’impression d’un flyer, le concours se retrouve doté de 100 000 dollars que Buster ne possède naturellement pas.

Et l’audition attire bien sûr des centaines de personnes.

Il y avait bien longtemps que je n’avais pas ri d’un bout à l’autre d’un film.

Pourtant, méfiant au vu des comptes-rendus dithyrambiques que tout le monde m’en avait faits, j’étais circonspect !

Et puis – « Vox populi, vox dei », il arrive que ce soit vrai ! – je dois dire qu’on est happé, dès le générique, et que ça ne vous lâche plus jusqu’à la fin.

Evidemment, c’est une comédie musicale et, comme l’a dit un critique, ça joue magnifiquement avec les codes de la comédie musicale.

Un gorille sentimental « crooner », un porc épique « crooneuse » elle aussi, une éléphante grande chanteuse maladroite et timide, un rat qui fricote avec la mafia et une truie ménagère, remarquable chanteuse et danseuse, la galerie habituelle des chanteurs-danseurs est ici particulièrement riche.

Et puis, il y a les autres : le groupe des petites chanteuses japonaises envahissantes, le gang des gorilles braqueurs qui opèrent avec des masques de chats désespérément minuscules et surtout, la désopilante lézarde Miss Crawly, la secrétaire au grand cœur et à l’œil de verre.

Comme l’a dit un critique, tout ça est mené « d’un train d’enfer [et sans] aucun coup de mou ».

On est entre Les Producteurs de Mel Brooks et 42^ème rue de Lloyd Bacon et Busby Berkeley.

Et certaines scènes (comme celle de Rosita, la truie-mère de famille, surdouée du chant et de la danse, dans une chorégraphie « qui déchire » de Bamboleo) font franchement décoller.

Alors oui, vraiment, Sing, en français Tous en scène, est tout à fait digne, sans le valoir quand même, de son homonyme (en V.F.) signé, excusez du peu, Vincente Minnelli et intitulé (en V.O.) The Band Wagon.

La Toile d’araignée

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The Cobweb (La Toile d’araignée) de Vincente Minnelli (1955)

Le docteur Mac Iver, qui dirige une clinique psychiatrique, néglige sa femme. De plus, ses méthodes un peu trop « modernes » d’aborder la psychiatrie ne lui font pas que des amis au sein d’une institution plutôt conservatrice.

Les rideaux de la bibliothèque doivent être changés : la psychiatre Meg Rhinehart à l’idée de faire réaliser ces rideaux d’après les dessins de l’un des malades, le jeune Stevie. Miss Inch qui voit là une remise en cause de ses prérogatives d’intendante, commande un creps bon marché, alors que Karen Mac Iver, que déteste Miss Inch et qui est considérée comme une mondaine écervelée, décide de prendre l’affaire en main en choisissant elle-même le tissu des rideaux.

Toutes les tensions, toutes les passions, vont se cristalliser dans cette histoire de rideaux et provoquer des drames.

La carrière de Minnelli est constituée de films de trois genres très précis : comédies musicales, comédies de mœurs et mélodrames. Ces genres, on peut dire qu’il les a abordés avec un bonheur inégal.

La Toile d’araignée se situe chronologiquement entre Brigadoon, que j’ai l’extrême faiblesse de considérer comme un monstrueux navet niais et grotesque, et Kismet, unanimement décrié. Si l’on considère en regardant plus loin dans la filmo du réalisateur que Brigadoon fut précédé de l’indigeste Roulotte du plaisir, comédie qu’un certain nombre de thuriféraires minnellien s’acharne à vouloir « réhabiliter » (en pure perte jusqu’à présent) et que Kismet fut suivi de Thé et sympathie et de La Vie passionnée de Vincent Van Gogh, deux films que je n’apprécie pas du tout (doux euphémisme !!!), on comprendra que, au moins de mon point de vue, nous ne sommes pas au cœur de la période la plus brillante de l’auteur inspiré de Tous en scène et de La Femme modèle, deux chefs d’œuvres qui « encadrent » dans la chronologie les ratages précités.

Mais La Toile d’araignée, sans être un très grand film, reste plus qu’honorable. Bien sûr, une fois de plus, la psychiatrie est passée à la moulinette hollywoodienne et cette histoire de rideaux tient de la grosse ficelle scénaristique (Karen Mac Iver, persuadée que son mari la trompe, installe rageusement « ses » rideaux dans la bibliothèque quand d’autres épouses bafouées casseraient la vaisselle !). Mais le résultat se tient relativement et l’ensemble est assez représentatif de la « griffe Minnelli » dans l’utilisation inspiré du cinémascope et dans le choix des couleurs, notamment.

Les personnages seraient caricaturaux à souhait si l’on ne sentait en permanence chez eux ces fêlures qui les rendent tous attendrissants. Miss Inch, l’intendante sèche, vieille fille portant perruque, souffre d’une solitude qu’elle brandit comme un étendard (« Un homme doit apprendre à se défendre seul », dit-elle à Devanal avant d’ajouter « C’est ce que je fais depuis quarante huit ans ! »). Devanal plonge dans la veulerie et l’alcoolisme mondain pour oublier sa déchéance. Meg, quant à elle, se noie dans le travail pour oublier son chagrin et le sentiment de culpabilité qui l’habite depuis qu’elle a survécu à l’accident qui a coûté la vie à son fils et à son mari. Stewart Mac Iver fuit sa femme plus qu’il ne la délaisse et Karen ne voit plus la vie qu’à travers ses propres malheurs ce qui lui fait provoquer des catastrophes pour ceux qui sont plus malheureux qu’elle.

Tout est calibré, prévisible et assez standard, jusqu’à la partition dramatique et terriblement efficace de Leonard Rosenmann, mais la force de Minnelli rend le film très prenant. Il faut bien dire qu’il est aidé par une distribution sans faille : Lilian Gish, Charles Boyer, Lauren Bacall, Richard Widmark, Gloria Grahame, mais aussi les jeunes John Kerr et Susan Strasberg, sans oublier l’excellent Oscar Levant donnent vie à tous ces personnages, tous ces laissés pour compte qu’un simple changement de rideaux va plonger dans le drame.

Monsieur

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Sir (Monsieur) de Rohana Gera (2018)

Ratna est issue d’une caste inférieure d’un village des environs de Bombay.

Et c’est à Bombay qu’elle travaille pour nourrir sa famille. Elle est servante chez Ashwin, jeune homme riche, issu d’une bonne famille très marqué par sa vie aux États-Unis où il a fait ses études.

Ratna et Ashwin vont ainsi cohabiter.

Ratna, parallèlement, suit des cours pour devenir couturière et changer de vie.

C’est un conte de fées, mais à l’indienne.

Car dans le pays le plus inégalitaire du monde, les bergères n’épousent pas les princes et les bonnes n’épousent pas leur patron.

Ratna fait partie d’une caste très « inférieure », c’est, du moins, ce qu’il paraît, car je n’ai jamais trop compris ces histoires de caste à l’indienne. La seule chose que je sais, c’est que ce pays qui attire et a toujours attiré les babas du monde entier est en réalité aussi crasseux moralement et socialement qu’il peut l’être pour les touristes qui semblent toujours trouver ça très excitant.

Ratna et Ashwin sont tous les deux trop intelligents et leur intelligence leur dit, et leur dit très fort, que rien n’est possible entre eux.

Et le film est aussi intelligent qu’eux.

La mise en scène de Rohena Gera est fluide et élégante. D’ailleurs, c’est un film élégant qui montre des choses très inélégantes.

Et le casting est tout à fait « assorti » à cette élégance : Tillotama Shome et Vivek Gomber portent le film et les autres comédiens sont parfaits.

Même le happy end est élégant.

La Clinique de l’amour

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La Clinique de l’amour (2012) d’Artus de Penguern

 David Marshal a fondé la clinique Marshal, il y a quelques décennies. Mais il est vieux et envisage de passer la main à ses fils John et Michael.

John est un brillant chirurgien honnête et travailleur, mais il est timide avec les femmes et n’ose avouer son amour à Priscilla, la jeune et jolie infirmière qui vient d’être engagée.

A l’inverse, Michael est un être dilettante menteur, voleur et coureur de femmes. Il va profiter de la timidité de son frère pour séduire Priscilla et l’épouser.

Par dépit, John s’exile pour aller soigner les pauvres et les animaux (!) en Alaska.

Mais Michael ne tarde pas à se lasser de sa jeune et vertueuse épouse et il est séduit par une nouvelle infirmière, la ravageuse Samantha Bitch.

En réalité, Samantha Bitch travaille pour l’ignoble Jonathan Stork qui veut mettre la main pour la clinique Marshal. Et séduire Michael fait partie des plans de Samantha.

Nous sommes ici dans le domaine du « Soap Opera », ce feuilleton américain « cheap » où les intrigues les plus invraisemblables se chevauchent, s’enchevêtrent, basés sur des coups de théâtre et des drames de famille.

L’un des plus anciens « Soap » est produit par William Joseph et Lee Philip Bell et diffusé tous les midis sur TF1 depuis plus de 20 ans. Il s’agit de The Young and the Restless (Les Feux de l’amour) et le premier épisode a été tourné en 1973. Certains des comédiens qui sont encore dans le soap étaient dans ce premier épisode !

C’est donc une parodie de ce genre insipide qu’Artus de Penguern a décidé d’écrire et de tourner. Malheureusement, comme souvent dans ce genre de parodies, il a un peu trop chargé la mule et si certains gags comme le numéro musical final des mamans (avec ours !) sont effectivement très drôle, l’ensemble se traîne un peu malgré l’excellence de l’interprétation.

C’est dommage, car le début du film était très prometteur, mais la parodie s’essouffle assez rapidement.