Coup de chaud

 

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Coup de chaud (2015) de Raphaël Jacoulot

Ce petit village du Lot et Garonne a deux gros problèmes.

Le premier, c’est la sècheresse qui sévit depuis plusieurs semaines et risque bien de ruiner les champs de maïs de la région.

Le deuxième, c’est Josef Bousou, fils d’un ferrailleur tzigane. Josef est typiquement ce qu’on appelle l’idiot du village. Il n’a aucune autre activité que d’empoisonner l’existence déjà difficile des habitants du coin.

Aussi, dès qu’une malversation a lieu (vol d’une pompe à eau qui devait sauver les paysans, attouchements sexuels, réels ou supposés, sur une jeune fille), c’est Josef qui est accusé.

Daniel Huot-Marchand, le maire, essaie de calmer le jeu, mais il ne peut empêcher la grogne qui monte contre ce bouc émissaire, loin d’être le seul responsable de tout ce qu’on lui attribue.

En général, lorsqu’un film se situe « en milieu rural » (comme on dit à Paris) et qu’il y a un « idiot du village », tout le monde (antipathique) l’utilise comme bouc émissaire alors qu’il s’agit presque toujours d’un « idiot gentil », un crétin bonnasse, bon comme une pâte.

Josef, ici, est bel et bien l’idiot du village et il sert bel et bien de tête de turc. Mais la grande nouveauté, c’est qu’il n’est pas sympathique, potentiellement dangereux et souvent responsable de ce qu’on lui impute. Souvent, mais pas toujours !

Et puis, Josef est issu d’une famille rom et leur maison, leur cour surtout, ressemble à un terrain vague ou à une décharge, en plein centre du village.

De détail en détail, à force de coups de canif dans le règlement du scénaristiquement correct qui veut qu’une famille rom dont le fils est un peu neuneu sont des gentils martyrisés par une population raciste et haineuse et relégués dans une masure géographiquement éloigné du centre du village, Coup de chaud marque sa différence sans complètement tourner le dos à ces « idées reçues ».

Par cela même, le film fait montre d’une grande finesse et d’une grande intelligence.

La « résolution » de « l’énigme criminelle » est, à ce point de vue assez décevante, peu crédible, mais surtout, très peu importante, car on voit bien que ce qui intéresse Jacoulot, c’est l’ambiance qu’il plante avec une maestria assez bluffante. Il sait jouer de la sécheresse et de la chaleur du jour, comme il jouait de la neige et du froid de la nuit dans Avant l’aube (2010) son film précédent. Comme dans cet excellent film, le (grand) talent du réalisateur est parfaitement relayé par un casting impeccable et des personnages qu’on retrouve d’un film à l’autre, mais avec juste ce qu’il faut de différence.

A Bacri, en patron d’hôtel qui va s’avérer assez veule, succède Darroussin, en maire trop compréhensif pour régler les problèmes « comme il faudrait ». A Sylvie Testud, fliquette d’apparence déjantée à la Colombo, succède le personnage de Diane (Carole Franck) et son acharnement à charger Josef, aveugle au point d’oublier ce qu’elle sait déjà, à savoir que sa ruine  et celle des autres paysans intéressent « certaines personnes » dont Josef serait bien en peine d’être le complice.

Si on y ajoute Grégory Gatebois, Camille Figuerco et la grande (et trop rare) Isabelle Sadoyan, on a le casting idéal qu’il faut, bien sûr, couronner par Karim Leklou, stupéfiant en Josef et, il faut bien le dire, anti-Jacques Villeret dans L’Eté en pente douce auquel Coup de chaud fait vaguement penser tout en se situant quelques coudées au-dessus. Sans oublier, dans le rôle assez court de Josiane, la mère du neuneu, Serra Yilmaz, actrice d’origine turque qu’on espère revoir bientôt.

Coup de chaud pourrait bien être la révélation du mois, voire du trimestre.

La Septième victime

 

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The Seventh Victim (La Septième victime) de Mark Robson (1943)

(Ciné-Classics – 09/07/99)

Mary est avisée par la direction du collège où elle est pensionnaire que sa sœur Jacqueline a disparu et n’a pas donné signe de vie depuis plus de six mois.

 

Mary se rend donc à New York pour retrouver Jacqueline. Elle fait ainsi la connaissance du mari de Jacqueline qui a payé un détective privé dont l’enquête n’a donné jusqu’à présent aucun résultat.

Certes, l’atmosphère de pure style Lewton, soutenue par une image superbe de Nicholas Musuraca, promet dés le départ un somptueux polar de série B. L’interprétation est de grande qualité et la réalisation très efficace.

Mais si un bon scénario n’est pas l’assurance automatique d’un bon film, un mauvais scénario ne peut que donner un mauvais film. Psychologie improbable, péripéties invraisemblables, motivation des personnages très floue et ellipses totalement maladroites font de ce chef d’œuvre avorté une sombre histoire mystico-policière où une secte qui devrait être le sujet central de ce petit film complètement raté, se trouve reléguée au rang d’accessoire.

Corps étranger

 

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Corps étranger (2016) de Raja Amari

Samia, comme beaucoup de Tunisiens, a traversé la Méditerranée sur une embarcation de fortune qui a coulé, heureusement pour elle, près du rivage français.

Elle monte à Lyon où elle retrouve Imed, un ami d’enfance, qui va l’aider. Mais Imed et ses amis sont très admiratifs pour le frère de Samia, un radicalisé en prison. Or, c’est Samia qui l’a dénoncé et elle a très peur qu’il puisse la retrouver. Elle évite donc ce milieu et cherche du travail.

Elle est engagée par Leïla une veuve qui vient de perdre son riche mari.

Leïla se retrouve un peu dans cette jeune Tunisienne un peu perdue. Elle décide de l’aider à avoir des papiers et les deux femmes deviennent amies.

La scène d’ouverture est la plus impressionniste du film. Nous savons tous, hélas que la Méditerranée est en train de devenir le plus grand cimetière du monde.

Nous voyons ceux qui sont en train de se noyer, les papiers d’identité, les passeports, des objets personnels, des photos, des petits souvenirs…

Samia s’en sort seule : elle a la chance d’être jetée sur la plage. Elle n’est donc pas « prise en charge » par des autorités.

Et ce qu’elle a fui, c’est l’intégrisme et l’intégrisme au sein de sa propre famille.

Bien sûr, lorsqu’elle retrouve Imed et ses « colocataires » à Lyon, elle perçoit chez eux l’admiration qu’ils portent à ce frère qu’elle a fui et pour lequel elle a risqué sa vie lors de sa traversée de la Méditerranée.

Plus finement que dans Secrets, Raja Amari fait durer le malaise jusqu’à ce que le malaise s’installe.

Samia est libre et sensuelle et elle joue sur l’attirance qu’elle provoque, que ce soit chez Imed ou chez Leïla. Or, il s’agit de trois personnes musulmanes dont un homme assez ambigu sur les rapports qu’il entretient avec le radicalisme.

Comme toujours dans ces cas-là, la direction d’acteurs est primordiale et elle est ici parfaite : Salim Kechiouche est très bien dans un rôle, hélas pour lui, un peu de faire-valoir. Sara Hanachi porte le film dont elle occupe pratiquement tous les plans et elle est excellente.

Evidemment, celle qu’on retient le plus, c’est la grande Hiam Abbass bien que son rôle de Leïla soit un peu sacrifié comme celui d’Imed, un rôle moins intéressant que celui de Oum Yazan qu’elle tenait dans Une famille syrienne.

‘71

 

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‘Seventyone (‘71) de Yann Demange (2013)

En 1971, les jeunes anglais qui font leur service militaire sont envoyés à Belfast pour « assurer le maintien de l’ordre » entre catholiques et protestants.

Les deux communautés s’affrontent dans une guerre ouverte, mais également se trahissent à l’intérieur de chaque camp, au gré des aléas politiques.

Sinn Féin, I.R.A., armée britannique et service secret s’affrontent dans un combat de l’ombre plus mortel encore que ce qui se passe dans la rue et ressemble de plus en plus à une guerre civile.

A vouloir embrasser toute la réalité de l’Irlande du Nord de cette époque, Yann Demange se prend les pieds dans un scénario inutilement compliqué.

En d’autres termes, on ne sait plus qui est qui, entre les différentes factions tant des catholiques que des anglicans.

Le souvenir que laisse le film, du coup, est très confus et c’est bien dommage, car le casting est impeccable et Yann Demange est un réalisateur très habile. Il s’agit incontestablement de quelqu’un à suivre.

Corporate

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Corporate (2016) de Nicolas Silhol

Emily Tesson-Hansen est une brillante et surdiplômée « killeuse » : elle est responsable des RH au sein du département financier d’une multinationale.

Quoi qu’il puisse arriver, elle est « corporate » : elle fait corps avec sa boîte, sa fonction et sa hiérarchie.

Mais lorsqu’un cadre moyen qu’elle doit « mettre sur la touche » se suicide dans la cour de l’entreprise, Emily prend conscience du fait qu’elle est mise sur la sellette par l’inspection du travail qui enquête et qui envisage une plainte au pénal pour « harcèlement moral ».

Elle décide que si elle doit tomber, elle ne tombera pas seule.

« Les personnages de cette histoire sont fictifs, mais les faits sont réels ».

C’est ainsi que se termine le générique du début. La formule est très classique, très conventionnelle et terriblement prévisible.

Il faut bien reconnaître que, bien que ces « méthodes managériales » soient menés dans presque toutes les boîtes actuelles, le premier nom d’entreprise qui vient à l’esprit, c’est France Télécom et sa « mode du suicide » comme l’avait déclaré très finement l’ignoble Didier Lombard, PDG de France Télécom à l’époque : « Il faut mettre un terme à cette mode du suicide ». Ce minable voyou sera débarqué avec une confortable retraite chapeau et il pourra, de nouveau, aller nuire ailleurs, au profit et à la grande satisfaction de tous les maquereaux-actionnaires[1][2].

Le film ne met pas en scène une série de suicides, mais un seul suicide et il s’attache particulièrement à celle qui a toutes les chances de porter le chapeau.

Aucun portrait moral n’est fait du personnage d’Émilie et c’est heureux ! On a bien assez souvent droit au syndrome « Dossiers de l’écran ».

Corporate est un thriller : on ne se pose pas la question de savoir si un héros poursuivi dans un film a un grand sens moral ou s’il se gave de fraises Tagada, on attend juste de savoir s’il va échapper à ses poursuivants !

Comme le dit un critique « il s’agît d’un polar social […] qui ne confond pas éthique et morale ».

Dans les quelques reproches que j’ai pu lire sur le film, il y avait celui un peu creux du manque d’éclairage sur la fonction de la boîte et sur le travail effectif des employés. Très honnêtement, que cette boîte vende des maquereaux au vin blanc, des pneus ou des farces et attrapes, qu’est-ce que ça peut faire ? Les méthodes managériales qui sont montrés sont partout les mêmes et c’est ce que dénonce le film !

En revanche, les critiques font d’Émilie la responsable DRH de toute la boîte, ce qui est une erreur : elle n’est « que » la DRH du département financier d’une multinationale ce qui fait du « méchant » une énorme machine dont nous ne verrons la tête à aucun moment. Mais ce département a lui-même une autonomie puisque son chef, Stéphane Froucart, semble jouir d’une grande indépendance.

Dans les dialogues, on retrouve la répugnante terminologie spécifique aux technocrates, une « novlangue managériale » qu’on pourrait comparer à la terminologie nazie. Lorsque Froucart lui dit : « Tu es la meilleure, tu vas gérer ça ! », on peut traduire très simplement par : « Démerde-toi ! ».

Tout cela donne un film passionnant, d’une intelligence très fine sur l’enfer des entreprises qui ont besoin de n’avoir en leur sein que des « corporate ».

Et puis, il y a le casting dominé par la grande Céline Salette que la caméra ne quitte jamais. Elle est entourée de Lambert Wilson, Stéphane de Groodt et Violaine Furneau, sans oublier la formidable Alice de Lencquesaing.

J’ai parlé de nazisme à propos de la terminologie. On peut filer la métaphore avec les « corporate » des nazis : ça s’appelait la SS dont le devise était « Mon honneur s’appelle fidélité », toutes proportions gardées, bien sûr !

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[1] En fait, le procès de Lombard et de ses « co-voyous » s’est ouvert le 6 mai 2019. Le jugement sera rendu le 20 décembre 2019 : nous espérons que monsieur Lombard et ses complices passeront un très mauvais noël 2019 ! (18/09/19)

[2] Didier Lombard a été définitivement condamné par la cour de cassation le 21 janvier 2025 à un an de prison avec sursis et 15 000 € d’amende pour harcèlement moral institutionnel.(01/10/26)

Grande dame d’un jour

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Lady for a Day (Grande dame d’un jour) de Frank Capra (1933)

Annie vit modestement de la vente de ses pommes dans les rues de New York. Elle est aimée et respectée de tous, d’autant qu’elle porte chance à Dave the Dude, le caïd du coin. Mais Annie est tout de même une clocharde qui est assez portée sur la gnôle. Et Annie a un secret, Louise, sa fille, qu’elle n’a pas vu depuis sa plus tendre enfance et qui vit en Europe.

Louise croit que sa mère évolue dans la haute société, car les deux femmes n’ont de relations qu’épistolaires et Annie, dans ses lettres, raconte ce qu’elle veut.

Or, Louise s’est fiancée au fils d’un comte espagnol et la famille de son prétendant tient à rencontrer la mère de Louise. Aussi, tout ce petit monde arrive à New York. Annie est désespérée, mais Dave the Dude va essayer de lui sauver la mise en la faisant passer pour une grande dame pour une journée.

On a beaucoup raillé la naïveté de Capra, malgré le respect unanime qu’il suscite. Lady for a Day est, de ce point de vue, le film le plus rose qu’il ait réalisé.

Mais on a tous gardé de l’enfance le besoin d’être enchanté, de croire aux bonnes fées, fussent-elles, comme ici, un truand notoire. Et, comme La Vie est belle ou Vous ne l’emporterez pas avec vous, Lady for a Day est un chef d’œuvre qu’on peut revoir sans cesse, en y croyant toujours, même si May Robson n’est pas toujours convaincante.

Comme toujours, le comique de Capra vient faire une sorte de « contrepoint de décompression » au trop plein d’émotion, comme la séquence « d’entraînement » des truands qui doivent se faire passer pour des ducs et des princesses.

Capra réalisera Pocketful of Miracles (Milliardaire d’un jour) en 1961 qui sera son dernier long métrage de fiction et un remake du présent film avec Bette Davis et Glenn Ford.

Le Sexe faible

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Le Sexe faible (1933) de Robert Siodmak

Madame Leroy-Gomez cherche à tous prix à jeter son fils Jimmy dans les bras de la riche Dorothy. Cette mère très attentionnée n’est pas peu fière d’avoir réussi à arranger de très profitables unions pour ses deux autres fils. Mais elle a quelques soucis avec Jimmy, le petit dernier qui s’est amouraché d’une jeune fille pauvre.

 

De plus, il faut déjouer les manœuvres des gigolos (généralement sud-américains). Heureusement pour madame Leroy-Gomez, le fidèle maître d’hôtel Antoine, veillera à assurer le « bonheur » de tout ce petit monde.

Il y a toujours eu des gigolos, mais ce sont ces comédies « à téléphones blancs » qui en ont faits des personnages propres à amuser les foules, du fait d’un retournement de situations dû à l’émancipation féminine où l’on remplaçait l’homme riche à qui un père peu scrupuleux « fourguait » sa fille par de riches veuves américaines (l’émancipation n’allait tout de même pas jusqu’à mettre en scène des femmes d’affaires ou des femmes chefs d’entreprise !), « courtisées » par des mères(-maquerelles) de pantins gominés, réduits à l’état d’objet de concupiscence et amoureux de jeunes filles pauvres ou d’aventurières.

D’ailleurs, une vieille comtesse vaguement russe se substitue ici au vieux libidineux de service, épris de chair fraîche. Et l’assez mauvaise adaptation de Kosterlitz (futur Henry Koster)  et d’Edouard Bourdet (l’auteur de la pièce originale) va plutôt dans le sens d’un plus grand conformisme. Lorsqu’Antoine à la fin de la pièce décide de rentrer chez lui à pieds, il a une réplique méprisante : « J’ai besoin de changer d’air ! ». Or, l’allusion à l’atmosphère nauséabonde tient moins de la dénonciation que d’une critique roublarde qui se complait tout de même dans le… nauséabond.

Et cette réplique même semble étrangement « stérilisé » dans le film, peut-être à cause de l’interprétation « plate » de Victor Boucher, acteur très justement brocardé de nos jours, mais inexplicablement fameux à l’époque.

Côté interprétation d’ailleurs, tout est assez décevant : de l’assez mauvaise Betty Stockfeld à la sublime Marguerite Moréno, en passant par Pierre Brasseur, Mireille Balin, José Noguero, Suzanne Dantès et bien d’autres, tout le monde est ennuyeux, sauf peut-être la volcanique Jeanne Cheirel, la maman qui veut « assurer le bonheur de ses petits ». Il est à noter que cette madame Leroy-Gomez a également une fille qui semble très bien réussir en travaillant, ce qui faisait beaucoup rire, sans doute, dans les années trente.

Car c’est là que le bât blesse : tout cela sent terriblement la naphtaline. Si on apprécie encore les pièces de boulevard de Flers et Caillavet, certes plus anciennes et beaucoup moins « caustiques », c’est tout simplement qu’elles sont bien troussées et franchement drôles. Chez Bourdet, sorti d’une critique de mœurs assez conventionnelle, on s’amuse moins.

Corinna, Corinna

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Corinna, Corinna (1994) de Jessie Nelson

Singer, un jeune compositeur, vient de perdre sa femme. Il se retrouve seul avec sa fille Molly. Celle-ci n’a plus prononcé un mot depuis la mort de sa mère.

Il engage Corinna pour s’occuper de Molly. Cette nounou noire extravagante permet à la petite fille de retrouver la parole et le sourire.

Bientôt, Corinna deviendra indispensable à la petite fille et à son papa.

Les années trente à Hollywood savaient habilement mélanger la comédie et le mélo. Le genre a eu ses lettres de noblesse.

Mais rien de tout ça, ici. L’histoire d’amour entre le bon maître blanc et la « pov’négwesse » est politiquement correct jusqu’au gluant.

D’ailleurs, tout est gluant : la sale gamine, vaguement autiste, puis qui ne l’est plus, Woopi Goldberg qui fait son numéro habituel sans son efficacité coutumière et Ray Liotta, aussi transparent et inconsistant que le bleu de ses yeux.

Seule la présence trop brève de Don Ameche dont ce fut le dernier rôle, pourrait être émouvante, mais on n’a pas spécialement envie de s’attendrir après une brasse de plus de 100 minutes dans ce sirop d’érable.

Shaft, les nuits rouges de Harlem

 

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Shaft (Shaft, les nuits rouges de Harlem) de Gordon Parks (1971)

 John Shaft est détective privé à New York ; il a des rapports heurtés, mais somme toute pas trop mauvais, avec les flics du coin.

 

Un caïd de la mafia noire fait appel à ses services : sa fille vient d’être enlevée et il soupçonne les « activistes noirs » (genre « Black Panthers ») d’avoir fait le coup.

Bouh ! C’est pas beau de vieillir !

Shaft fut le film-phare de la « Blaxploitation » ; il faut dire que c’est le premier film du courant en question produit par un grand studio (feue la M.G.M., en l’occurrence).

Pressenti pour le rôle-titre, Isaac Hayes composa la partition célébrissime dont on ne sait trop si elle dut son succès à la vague « Soul » où si elle fut précisément la créatrice de cette vague.

Mais c’est justement le style Soul qui a assez mal vieilli, même si des vieux croutons dans mon genre ont un gros coup de nostalgie lorsqu’ils entendent The Temptations ou… Isaac Hayes.

La musique a cependant moins vieilli que le reste du film. Montrer un polar où gentils et méchants étaient noirs était probablement une révolution à l’époque qui faisait passer l’indigence du scénario et la médiocrité de l’interprétation (Richard Roundtree, en tête).

Mais maintenant, ça ne passe plus. C’est tout simplement imbuvable !

Cornered

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Cornered (1945) d’Edward Dmytryk

Gérard, pilote canadien, est libéré d’un camp de prisonniers en Allemagne. Il est démobilisé en Angleterre, mais au lieu de rentrer au Canada, il se rend clandestinement en France pour éclaircir les circonstances du décès de sa femme, une résistante française qui fut dénoncée aux allemands et assassinée. Son beau-père lui révèle que le dénonciateur serait un certain Jarnac qui passe pour mort, ce que personne ne croit.

 

La piste de ce Jarnac conduit Gérard en Suisse, puis à Buenos Aires où se trouve madame Jarnac. Gérard ne tarde pas à se rendre compte qu’il gêne non seulement les nazis et les ex-collaborateurs, mais également ceux qui tentent de les traquer.

Toujours le fameux syndrome du Grand sommeil : on complique l’histoire pour lui donner une patine plus obscure et la rendre plus difficile à déchiffrer. Mais une fois de plus, l’élève ne peut rivaliser avec le maître et le film n’approche à aucun moment le chef d’œuvre de Hawks.

Il ne peut d’ailleurs pas plus rivaliser avec Adieu ma jolie dû au même Dmytryk avec le même Powell réalisé un an avant celui-ci.

Reste un polar agréable et bien réalisé, malgré un relatif académisme qu’on ne trouvait heureusement pas dans le film précédent. Il y a cependant quelques audaces fugitives ici ou là, mais tout cela reste bien convenu.

Et puis ce pauvre ex-pilote n’a pas le charisme de Philip Marlowe, même incarné par le même comédien.

Shahada

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Shahada (2009) de Burhan Gurbani

 Dans une boîte de nuit de Berlin, Maryam, jeune allemande d’origine turque, avorte dans les toilettes.

Sammi travaille dans une conserverie. Il est Nigérien et musulman. Il a une aventure passionnelle avec son collègue Daniel, mais son entourage, et tout particulièrement sa mère, l’exhorte à suivre les préceptes de sa religion.

Ismaël, un jeune officier de police, abandonne sa femme (allemande) et son fils pour vivre un grand amour avec Leyla, une jeune clandestine musulmane très pratiquante.

La « Shahada » (« témoignage de foi » en arabe) est le premier pilier de l’Islam : « Il n’y a d’autre dieu que Dieu et Mahomet est son prophète ».

Pourtant, nous ne sommes ni dans un film religieux, ni dans un film qui raconterait une recherche ou une rencontre avec une quelconque spiritualité.

Shahada est un témoignage sur une rencontre, certes, mais avec une religion (et non une spiritualité) et, dans les trois cas cette rencontre s’avérera brève : la crise mystique de Maryam tient beaucoup du délire qui pourrait être dû à une forte fièvre, consécutive à son avortement « sauvage » et le bref rapprochement que tente Ismaël avec la religion se fait par Leyla interposée. Seul Sammi se pose réellement des questions sur sa foi, mais comme il s’agit d’homosexualité (sujet sensible dans la religion en général et dans la religion musulmane en particulier), on est en droit de poser qu’il est victime du prosélytisme « anti-pédé » très en vogue chez les Mollahs.

Au niveau du scénario, on est tout de même un peu gêné : le titre renvoie à l’essence même de la croyance musulmane, mais Sammi et Maryam semble plus vouloir se montrer plus musulman que les autres « comme ceux qui ont quelque chose à cacher ». Quant à Ismaël, il ne semble à aucun moment succomber au prosélytisme de Leyla.

J’ai toute forme de religion en horreur, mais si je suis à même de comprendre qu’on puisse s’interroger sur une croyance ou dans le cadre d’une recherche spirituelle, je vomis tout particulièrement la bigoterie.

Or, Maryam, Leyla et la mère de Sammi sombrent dans la bigoterie et il s’agit de trois femmes. Le père de Maryam, pourtant Immam, représente la tolérance et la « vraie religion ». Et c’est un homme. Je ne pense pas que Gurbani ait voulu réellement faire un film sexiste, mais on y pense tout de même.

Bien sûr, il y a le personnage de Sinan, tout à la fois crétin prêt à en découdre avec tout ce qui n’est pas musulman, personnage creux qui pourrait provoquer des drames avec de simples racontars et surtout, géniteur de l’avorton de Maryam et, par là même, responsable de son délire mystique.

Mais on sent bien que tout cela n’est pas très maîtrisé au niveau du scénario.

En revanche, la maîtrise de la réalisation dans ce qui est tout de même le premier long métrage d’un réalisateur allemand d’origine afghane de trente ans laisse assez admiratif.

La mise en scène et la direction d’acteurs sont d’autant plus remarquables que tout est filmé en longue focale et gros plans. La précision, tant de la réalisation que de l’interprétation sont stupéfiants.

Un excellent film donc, malgré quelques erreurs scénaristiques qu’on oublie vite quand on repense à l’œuvre dans sa globalité.

Contracorriente

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Contracorriente (2009) de Javier Fuentes-Leon

 Miguel est un jeune pêcheur de Capo Blanco, un petit village de la côte nord du Pérou. Il est très catholique et pratique « la consécration des morts » : il bénit les morts en présence de leurs proches, puis, seul, il les emporte en haute mer et les immerge, comme on fait des marins morts en mer.

Miguel est marié à Mariela qui est enceinte de huit mois.

Mais il a une liaison, à l’insu de tous, avec Santiago, un peintre venu s’installer à Capo Blanco depuis quelques années et considéré avec méfiance voire avec hostilité par la population en raison de ses « mœurs » que tout le monde soupçonne d’être « spéciales ».

Peu de temps après, Santiago se noie et son fantôme revient pour demander à Miguel de délivrer son cadavre prisonnier de plantes sous-marine pour qu’il puisse connaître le repos. Miguel trouve le cadavre, mais fait en sorte qu’il soit toujours prisonnier pour que le fantôme de son amant reste avec lui.

Sur le coup, on aime, sans plus, cette histoire d’amour ou plutôt d’amours et de fantôme, de catholicisme et d’homosexualité. Et puis, il y a quelque chose qui reste.

D’abord, il y a l’ambiance : le Pérou n’est pas le pays le plus exploité au cinéma et, pour nous, c’est plutôt la Cordillère des Andes, le lama et le brave gardien de lamas avec son poncho multicolore assorti à son drôle de petit bonnet, sans, bien sûr, oublier sa flûte de Pan avec laquelle il nous bassine à longueur de journée en nous jouant El Condor pasa.

Ici, les Péruviens ne sont pas montagnards, mais marins et même pêcheurs.

La présence envahissante de l’église catholique, comme dans tous les pays d’Amérique du Sud, est un obstacle de plus (et même le principal) qui fera des amours de Miguel et Santiago l’hamartia sans laquelle il n’y aurait pas de film.

Car on a peur pour Miguel. On ne craint pas qu’il ne puisse pas vivre son amour : on sait qu’il ne pourra pas ! Mais on a peur que cet amour ne soit découvert, puisque nous sommes tous conditionnés, malgré notre « évidente évolution » et surtout dans ce domaine précis (je parle pour moi, bien sûr !).

Là où le scénario est très fort, c’est que cette vérité « qu’il faut cacher », elle va être mie à jour par celle qui nous est présentée comme une sale gamine perverse, la petite garce de service, qui va s’avérer, en fait, être le catalyseur, l’empêcheuse de tourner en rond du film et la conscience de Miguel, car c’est elle qui lui apprendra que le corps de Santiago a été retrouvé et elle ajoutera : « J’ai voulu te le dire parce que personne ne te le dira. »

Et notre vision change à ce moment-là. Celle de Miguel aussi. Cette simple remarque d’Isaura le fait s’assumer complètement.

Et à partir de là, tout se met en place, même (et surtout), à posteriori.

Les apparitions de Santiago prennent tout leurs sens et l’attitude intransigeante de « la majorité silencieuse » n’a plus ni sens, ni la moindre importance.

Seule la solitude de Mariela, sa douleur de femme bafouée nous atteint encore en même temps qu’elle atteint Miguel.

Sur le même genre de sujet (mort de l’amant en moins), Roberto Castòn, réalisateur basque, avait réalisé Ander en 2009 que j’avais préféré.

Mais je ne renie pas pour autant ce film remarquable qu’est Contracorriente et je salue au passage l’ensemble du casting au jeu à la fois naturaliste et juste, ce qui est rare.

 

Les Comédiens (Pabst)

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Komödianten (Les Comédiens) de Georg Wilhelm Pabst (1941)

Karolin Neuber défend depuis des années le théâtre allemand. Elle cherche à améliorer le sort des comédiens en fondant une vraie troupe. Philine, l'une de ses comédiennes, est amoureuse et aimée du petit fils de la duchesse Amalia de Wissembourg, la protectrice de Karolin. Mais la duchesse ne veut pas entendre parler d'une union "contre nature" et chasse Karolin qui a eu l'audace de s'opposer à elle pour défendre Philine.

Pabst avait quitté l'Allemagne pour des raisons professionnelles en cette fatale année 1933. Personne ne comprit pourquoi il revint dans son pays natal en 1940[1], alors qu'il ne devait probablement pas être en odeur de sainteté auprès du régime nazi.

Pendant les années noires, il tournera deux films : celui-ci en 1941 et Paracelse en 1943. Or, ces deux films, par leurs sujets, exhale le parfum nauséabond et frelaté du nationalisme allemand.

Et si l'idéologie n'apparaît qu'en filigrane dans Paracelse, elle est beaucoup plus évidente dans cette biographie de Karolin Neuber, considérée comme la fondatrice du théâtre allemand.

Les comédiens de la Neuberin sont, en définitive, plus allemands que comédiens et la sublime héroïne allemande sacrifie son amour à la gloire du théâtre allemand. D'ailleurs, tout le film, historiquement situé au XVIIIème siècle exalte un certain romantisme allemand dont le troisième Reich se voulait l'héritier.

Si l'on ajoute à cela des répliques du genre : « Les lâches n'ont pas d'avenir ! » et les méchants coups de pattes dans les scènes situées à Saint Petersbourg où les Russes sont tous présentés comme des paysans tarés, on comprend pourquoi ce film est aussi peu diffusé que ceux de Steinhof ou d'Harlan.

Pourtant, certaines scènes retiennent l'attention, comme celle d'une beuverie « russe » dans laquelle Pabst semble retrouver le grand style baroque qui avait fait sa gloire, ou encore celle de la mort de la Neuberin dans laquelle Käte Dorsch est tout simplement superbe.

Mais Les Comédiens se regarde comme une pièce de musée et comme le témoignage historique d'un cinéma national « apprivoisant » un immense talent au profit de la (répugnante) idéologie dominante.

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[1] En réalité, renseignement pris, Pabst est retourné en Autriche pour voir sa mère avant de partir pour les États-Unis en 1939. Il avait un passeport français et comme la guerre a été déclaré entretemps, il est resté coincé dans « le grand Reich »

Chantage à Soho

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The Shakedown (Chantage à Soho) de John Lemont (1959)

Angi Cortona vient d’être libéré de prison où il avait écopé de cinq ans pour proxénétisme. Il veut se venger de Gellar qui a repris ses « affaires ». Mais il réalise qu’il est seul et qu’il ne peut abattre Gellar.

 

Il récupère un pauvre photographe alcoolique, Jessel, et lui offre un studio qui lui servira de couverture. La véritable activité de Jessel consiste à faire venir des messieurs honorables et riches et de prendre des photos compromettantes pour les revendre à l’intéressé.

C’est de la série B plutôt plaisante, à l’époque où la télévision était trop pauvre pour faire du téléfilm. Le jeu des comédiens (parmi lesquels Hazel Court qui faisait là ses premières armes avant d’émarger chez Corman aux Etats-Unis) est théâtral et la réalisation est plan-plan.

Ça ressemble beaucoup à nos Cinq dernières minutes nationales en un peu moins lourd.

Les Convois de la honte

 

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Les Convois de la honte (2009) de Raphaël Delpard

Entre 1940 et 1944, la Société Nationale des Chemins de fer Français assura le transport de 76000 Juifs, 20000 Tziganes et 38000 résistants français vers l’est, vers les camps d’extermination pour les uns et vers les camps de concentration pour les autres, sans compter des milliers de jeunes français qui partirent pour l’Allemagne dans le cadre du Service du Travail Obligatoire.

Lorsqu’eut lieu le premier festival de Cannes en 1946, le grand prix revint à René Clément pour La Bataille du rail, un film qui glorifiait « l’attitude héroïque » de la S.N.C.F. Et tout le monde était content : la France avait résisté, l’Etat français de Vichy était « nul et non avenu » (Charles de Gaulle dixit) et les trains qui avaient emporté près de 150000 hommes, femmes et enfants vers la mort s’étaient remplis et conduits tout seul.

Malheureusement, cette fable semble difficilement crédible quelques années plus tard. Certes, quelques cheminots se sont engagés dans la Résistance, mais ce fut à titre personnel et contre la direction de la S.N.C.F. qui mit tout son zèle à collaborer avec l’occupant. « Un peuple grandit de ses erreurs, jamais de ses mensonges », c’est ce que nous montre Raphaël Delpard dans cet excellent documentaire qui est clair, ne se répète pas (ce qui est plutôt rare dans les documentaires actuels).

On peut être plus réservé quant aux reconstitutions. En revanche, les extraits de films ont été très soigneusement choisis. Et Les Convois de la honte a très probablement plus de vertus pédagogiques qu’un film récent très contesté, mais jouissant vraisemblablement d’un appui occulte.

Shakespeare in Love

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Shakespeare in Love (1998) de John Madden

A Londres en 1599, il y a deux théâtres : le « Théâtre du Rideau » dirigé par l’acteur Burbage et le « Rose » dirigé par Philip Henslowe. Ils se font naturellement la guerre en s’arrachant les nouvelles pièces des auteurs à la mode comme Christopher Marlowe et William Shakespeare.

Ce dernier a promis à Henslowe sa dernière pièce qui permettrait au Rose de sortir du marasme où l’a plongé une longue fermeture (pour cause de peste). Cette pièce, Shakespeare n’en a que le titre « Roméo et Ethel, la fille du pirate », car le dramaturge commence à se poser pas mal de questions sur son existence et ces questions l’empêche d’écrire.

Lors d’une représentation au « Rideau », il rencontre Viola de Lesseps qui se passionne pour tout ce qu’il a écrit.

Grand spectacle, énormes moyens, ambition démesurée et très gros succès public ne font pas toujours de très bons films : c’est pourtant le cas ici.

Il faut dire que tout est réuni : réalisation, scénario, interprétation et ambiance générale. L’interprétation est superbe avec un couple jeune beau, talentueux et magnifique, Joseph Fiennes et Gwynneth Paltrow. La réalisation est inspirée, superbe et élégante. Entièrement baigné d’une lumière dorée, le film passionne de bout en bout, grâce à cette ambiance chaude qu’il distille.

Viola sera Roméo, puis Juliette, pour inspirer finalement à l’homme qui l’aime le personnage principal de La Nuit des rois. Les glissements successifs ménagent de très jolis duos au cours desquels le grand William sera successivement Juliette, puis Roméo. Ce qui demeure, c’est l’amour de Shakespeare et Viola.

Une très grande réussite.

Convoi exceptionnel

 

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Convoi exceptionnel (2019) de Bertrand Blier

Taupin, au milieu d’un flot de voiture pousse un caddie vide.

Foster l’interpelle en lui faisant remarquer qu’ils doivent aller tuer tout de suite un certain Le Réveillé. Taupin ne comprend pas au nom de quoi et Foster lui apprend que c’est au nom du scénario.

Mais on n’a pas donné à Taupin le scénario. Les deux hommes essaient de voler le scénario d’un passant, mais ils échouent.

Ils sont donc tous les deux sur le scénario possédé par Foster.

Il y a 40 ans, un « quidam » (Michel Serrault) rencontrait Alphonse Tram (Gérard Depardieu) sur le quai désert de la station du (alors très récent) RER A « La Défense – Grande Arche ». Les deux hommes s’engueulaient à propos du couteau qu’Alphonse Tram possédait. Plus tard, Alphonse Tram sortait de la station RER de la banlieue où il habitait et, dans un couloir, il voyait le « quidam » en train de mourir avec son couteau dans le ventre.

C’était le début d’un film qui ne fit pas un succès foudroyant à l’époque, mais subjugua tous ceux qui s’étaient aventurés à aller le voir.

Depuis Buffet froid est devenu un film-culte, comme Tenue de soirée ou d’autres dont on se souvient moins comme Un, deux, trois… soleil, Merci la vie ! ou Notre histoire.

Bertrand Blier était le roi du scénario déjanté, hors norme, et ce qu’il apportait au cinéma français était unique.

Malheureusement, lorsqu’on écrit un truc dans le style des « cadavres exquis » chers aux surréalistes, ça peut donner des choses extraordinaires, pétillantes, éblouissantes… ou rien. Et ici, c’est rien !

Du coup, Blier se repose sur son (prestigieux) casting : Gérard Depardieu et Christian Clavier, et dans des rôles secondaires Farida Rahonadj, Alex Lutz et Audrey Dana, puis dans de très courtes apparitions Sylvie Testud, Louis-Do de Lencquesaing, Guy Marchand, Bouli Lanners jusqu’à celle dont la courte apparition est tout-de-même marquée par un « tunnel », Alexandra Lamy.

Et ils sont tous excellents !

Signe des temps et surtout, du temps qui passe : Blier (Bertrand) glisse, en guise d’hommage à la carrière de son immense papa Blier (Bernard) un clin d’œil en faisant chanter par Farida Rahouadj Danse avec moi, chanson de Francis Lopez et André Hornez que chantait Suzy Delair dans Quai des orfèvres d’Henri-Georges Clouzot dont les deux grands rôles masculins étaient interprétés par Louis Jouvet et… Bernard Blier.

Mais les « produits » ont beau être de très grande qualité, la tambouille de Blier ne prend plus.

Ça radote, ça piétine ! Blier fait du sous-Blier !

Lorsqu’on devient la propre caricature de ce qu’on a été, il vaut mieux arrêter.