The Guilty

 

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Den Skyldige (The Guilty) de Gustav Möller (2018)

Asger Holm était un flic de terrain, mais à la suite d’une bavure de sa part, on l’a muté au 112 qui est le centre d’appel de « police secours » au Danemark.

Ce soir-là, il reçoit un appel d’une femme complètement affolée qui vient d’être enlevée et fait croire à son « kidnappeur » qu’elle est en train de téléphoner à sa fille.

Asger fait ce qu’il doit faire, comme appeler les brigades qui peuvent intervenir pour stopper le véhicule du kidnappeur, etc…

Mais il outrepasse ses fonctions en s’impliquant un peu trop auprès de cette femme, d’autant qu’entretemps, il a parlé à la petite fille de la femme qui est seule et terrifiée dans l’appartement où il y a également son petit frère, un bébé.

L’angoisse d’une personne qui « assiste », impuissante, à un crime parce qu’elle est au téléphone est un sujet en or massif pour le cinéma : de Raccrochez, c’est une erreur d’Anatole Litvak à The Call de Brad Anderson, le sujet, avec un tout petit peu de savoir-faire, est toujours payant !

Chez le « témoin téléphonique », il y a deux frustrations qui exacerbent son sentiment d’impuissance : il est physiquement absent de la « scène de crime » et il ne peut pas voir ce qui se passe.

Naturellement, ce dernier point permet toutes les conjectures de la part du spectateur dont la tension est encore « aggravée » par le huis-clos.

Au niveau du huis-clos, on ne fera sans doute jamais mieux que le Buried de Rodrigo Cortès dans lequel il y avait aussi un téléphone.

Car si dans le film de Litvak et dans celui d’Anderson, le principe du huis-clos n’était pas rigoureusement respecté, dans The Guilty, il n’y a pas de triche ! On ne sort à aucun moment de cette permanence téléphonique, pas plus qu’on ne quitte cet opérateur zélé et tellement impliqué qu’il va « se faire avoir », ce dont on s’attend presque tout-de-suite.

Mais le scénario est tout-de-même très bien fichu et ne laisse pas grand-chose au hasard si ce n’est le passé ambigu du héros dont on aimerait, finalement, en savoir un peu plus.

Au niveau du casting, tout repose sur les (solides) épaules de Jakob Cerdergren, seul à l’écran à quelques rares exceptions près. Mais il ne faudrait pas pour autant oublier les excellents Jessica Dinnage (Iben, la femme enlevée) et Johan Olsen (Michael, son mari) qu’on ne voit pas, mais dont les voix sont celles qui « font » le drame.

Un film qui parvient à rester angoissant, même lorsqu’on a deviné « ce qui n’allait pas ».

Citoyen d’honneur

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El Ciudadano ilustre (Citoyen d’honneur) de Gaston Duprat et Marianne Cohn (2015)

David Montovani est à Stockholm où il est venu recevoir sans enthousiasme le Prix Nobel de littérature.

Une fois son prix en poche, il rentre chez lui dans un village quelque part en Europe, mais il cède à une invitation du maire de sa ville natale argentine qui veut lui décerner le titre de « Citoyen d’Honneur ».

Alors que la voiture qui est venu le chercher à l’aéroport tombe en panne, Daniel, coincé au milieu de nulle part commence à se demander s’il n’a pas eu tort en acceptant de revenir.

Depuis quelques années, le cinéma argentin fait parler de lui.

Il nous a même offert quelques chefs d’œuvres : Dans ses yeux et Le Fils de la mariée de Juan José Campanella, les films de Carlos Sorin…

L’esprit de ce Citoyen d’honneur est d’ailleurs proche des films de Campanella, une étude de mœurs teintée d’un humour décapant.

Une gloire mondiale revient dans sa ville natale où il retrouve ses anciens amis et amours « toujours dans le jus » et s’attire l’envie et la haine de ses anciens amis à qui il n’a plus grand-chose à dire, tel est l’argument très classique du scénario et on se doute bien que tout ça va mal tourner.

Bien entendu, l’ex-« meilleur ami » du héros est devenu un gros plouc qui a épousé le grand amour de jeunesse du même héros. Ils ont, bien sûr eu une fille avec qui le même héros couche sans savoir qui elle est.

Ce n’est donc pas dans cet argument, ni dans le scénario, que nous trouverons de l’originalité, mais bien dans la mise en scène et dans les dialogues.

Des dialogues servis par un casting excellent, dominé par Oscar Martinez, dans le rôle principal qui lui a valu le prix d’interprétation à la Mostra de Venise.

Si le scénario est un peu à la peine, il commence à s’agiter dans la dernière partie et la conclusion est très habile.

Autre gros atout : l’observation très fine des mœurs du village nous rappelle que les deux réalisateurs sont de très talentueux documentaristes.

Le Labyrinthe du silence

 

 

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Im Labyrinth des Schweigens (Le Labyrinthe du silence) de Giulio Ricciarelli (2014)

Francfort 1958. Simon Kirsch, un artiste peintre, demande du feu à un professeur qui, depuis la cour de l’école, surveille des gamins en récréation. Simon, en voyant le professeur de plus près, le reconnaît et, sous le choc, est victime d’un malaise.

Quelques jours plus tard, Thomas Gnielka, un journaliste, l’accompagne au tribunal pour le soutenir alors qu’il vient porter plainte : Simon a reconnu, en la personne du professeur, un SS qu’il a vu tuer de nombreuses personnes dans un camp en Pologne.

Le tout jeune procureur Johann Rademan entend ainsi pour la première fois le nom d’Auschwitz.

Il décide d’instruire l’affaire malgré les recommandations et les menaces de ses collègues.

Il est aidé par Thomas Gnielka, mais aussi, curieusement, par Fritz Bauer, le procureur général.

La première fois que j’ai entendu évoquer « les camps de la mort » en général et Auschwitz en particulier, je pense que ce devait être en 1965, à la commémoration du vingtième anniversaire de la libération du camp.

Nous n’étions plus tout à fait dans la période la plus sombre de la guerre froide, mais tout ce qui concernait l’Europe de l’Est, ce qu’on appelait pudiquement les « pays signataires du Pacte de Varsovie » (Pologne et R.D.A. comprises), était assez édulcoré, voire assourdi. Et les camps d’extermination où avait été mise en œuvre la « solution finale à la question juive » se trouvaient tous sur le territoire du « gouvernement général » instauré par les Nazis, c’est-à-dire en Pologne.

La polémique n’est pas encore éteinte (et risque de ne pas s’éteindre avant longtemps) de déterminer ce que savaient les gouvernements provisoires des pays occupés réfugiés à Londres, les Britanniques eux-mêmes, les Canadiens et les Américains, ce que l’on appelait les « Alliés ». Et il est désormais pratiquement établi que les « hautes sphères » des pays alliés étaient au courant, à la fois de façon indirecte (les « on dit » de certains témoins) et de façon directe par des témoins (comme Jan Karski) et quelques évadés (ils étaient rares, mais il y en a eu).

Mais même si « certains savaient », on peut légitimement se demander QUI savait et, surtout, COMBIEN savaient.

En France, ce fut à partir de 1965 qu’on commença à en parler. En 1969, année de la fin du « règne » de Charles de Gaulle, contempteur d’une France exclusivement résistante, sortit en salle une production O.R.T.F. (interdite d’antenne) Le Chagrin et la pitié.

J’imagine que dix ans plus tôt, en Allemagne où aucun Allemand ne s’avouait nazi ou fils de nazi, les camps de la mort étaient un sujet plus que tabou. Et c’est ce que montre, sans effet de manche et sans coup de pétard intempestif, ce film à qui on a pu reprocher, du coup, son « académisme ».

On lui aussi reproché - et là, on n’a pas complètement tort - son côté « dispersé », partant sur plusieurs pistes sans aboutir à aucun point comme, justement, cette impossibilité pour les Allemands de s’avouer « ex-nazis ». Le sujet est à peine effleuré et c’est dommage.

En revanche, la découverte épouvantée d’Auschwitz dans ces années-là, associée à la quasi-contemporanéité du nazisme, est très intelligemment exposée.

L’ensemble du casting est irréprochable et les réactions prêtées aux différents personnages sont remarquables de justesse.

Le tout est un film captivant qui sonne juste constamment, ce qui est plus rare qu’on ne le voudrait.

Glory

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Slava (Glory) de Kristina Grozeva et Peter Valchanov (2016)

Tzanko Petrov est cantonnier et bègue. Il nettoie une voie ferrée lorsqu’il trouve des billets de banque répandus sur le ballast.

Au lieu de les garder, il les remet à son administration, en l’occurrence au Ministère des transports.

Julia Staykova, chargée de communication dudit ministère, organise une cérémonie, devant la presse bien sûr, pour le remercier publiquement et glorifier son civisme.

Pendant la cérémonie, elle lui offre une montre numérique moderne (qui ne fonctionne pas) et pour lui poser officiellement, elle lui retire sa montre « Glory » qui lui venait de son père en lui assurant, discrètement, qu’elle lui rendra après.

Mais la technocrate à « haute responsabilité », a autre chose à faire que de s’occuper de la vieille montre d’un bouseux.

Et le bouseux, lui, va s’acharner à récupérer sa montre et ça va lui coûter très cher.

Le film est Bulgare et se situe en Bulgarie, mais il est universel dans son propos.

La morale de l’histoire, c’est que l’honnêteté à outrance et la recherche de la justice est un luxe qu’un pauvre cantonnier bègue ne pourra jamais s’offrir.

Le pauvre bonhomme qui va s’acharner jusqu’à sa propre destruction s’oppose, en l’occurrence, à une pétasse de pouvoir, la « chargée de communication » du ministère des transports, qui a des choses bien plus importantes à régler, principalement ses propres problèmes de grossesse tardive (car elle n’est plus toute jeune) : qu’est-ce qu’elle peut bien avoir à faire de l’obstination d’un bouseux qui s’est attaché (bêtement !) à une montre bracelet que lui a offert son bouseux de père, aujourd’hui décédé ?

Fait aggravant, le cantonnier est bègue, ce qui agace tout le monde. Et il met autant d’obstination à finir ses phrases qu’à retrouver sa montre ; et tout le monde se fout et de ses phrases et de sa montre.

Même l’opposant politique qui veut se servir de Tzanko va jeter l’éponge et en rendant publiques les doléances du pauvre cantonnier, ce magouilleur politique va faire perdre son boulot au pauvre homme.

Tout le film est remarquablement interprété par, entre autres, Stefan Denolyubov et Margita Gosheva. Mais l’ensemble du casting est excellent.

Glory joue la carte de l’humour noir qui ne dédaigne pas le vitriol, ce qui est particulièrement réjouissant.

Et c’est tout à fait évident dans l’ellipse finale, vacharde à souhait et particulièrement réussie !

Le Choc des Titans

 

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Clash of the Titans (Le Choc des Titans) de Desmond Davis (1980)

Persée, fils de Danae et de Zeus, doit reconquérir Argos. La moitié des dieux de l’Olympe veut le soutenir alors que les autres veulent le perdre.

 

Grâce à un casque qui le rend invisible et à Pegase, le cheval qui vole, Persée vient à bout de sa mission, triomphe de Calibos, de la Méduse et du Kraken. Il gagne l’amour d’Andromède.

En 1980, la Metro Goldwyn Mayer aux abois décide de frapper un grand coup. Une superproduction avec une floppée de stars internationales (Laurence Olivier, Claire Bloom, Ursula Andress, Burgess Meredith et Maggie Smith) et des effets spéciaux SPECTACULAIRES.

Malheureusement, quand on est aux abois, on s’affole et on a tendance à faire n’importe quoi. Aussi, pour les effets spéciaux, la M.G.M. ne trouva rien de mieux que de sortir de la naphtaline le vieux Ray Harryhausen, inventeur de pas mal de trucs… trente ans auparavant.

Le pauvre vieux leur coûta tellement cher qu’ils ne purent se payer de vrais scénaristes. Le résultat fait partie de ces choses consternantes qu’on croise, d’accidents cinématographiques en catastrophes, un genre qui va d’Ed Wood à Claude Lelouch en passant par Max Pecas ou Bernard Henri-Levy. Les morceaux d’une [certaine] bravoure se succèdent pour notre plus grand plaisir, à condition d’être entre copains, d’avoir un petit coup dans le nez et d’avoir très envie de rire.

Blague à part, que les stars précitées aient pu participer à cette singerie (même si elles avaient du retard dans le paiement de leurs impôts), c’est un peu consternant. Pas aussi consternant toutefois que le vide abyssal perçu dans les yeux de Persée, incarné (le pauvre, il ne méritait pas ça !) par l’inoubliable (enfin… !!!) Harry Hamlin.

Mort à Sarajevo

 

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Smrt u Sarajevo (Mort à Sarajevo) de Danis Tanavic  (2015)

Une importante délégation internationale de diplomates doit arriver à l’hôtel Europe de Sarajevo pour commémorer le centième anniversaire du début de la Première Guerre Mondiale.

Le comédien Jacques Weber arrive dans le même hôtel.

Mais ce que tous ces clients ne savent pas, c’est que le personnel mal payé, mal traité et racketté par la mafia locale qui est, en fait, le bras armé de la direction de l’hôtel, prépare une grève.

Bon ! Si j’avais su qu’au niveau du scénario, il y avait du BHL, je ne me serai même pas approché de la salle où ça passait.

Visiblement, Danis Tanavic a trouvé le matériau « BHLien » un peu lourd à manier. Du coup, il s’en éloigne avec cette grève que la mafia locale semble décidée à briser et qui est le « bon » sujet du film.

Malheureusement, il est bien obligé de glisser deux ou trois tonnes de la finesse légendaire de notre ex-nouveau philosophe, sublime et inoubliable réalisateur du grandiose Le Jour et la nuit.

Nous avons donc droit à la prose de notre Trissotin à travers Jacques Weber qui répète son texte enfermé dans sa chambre. Tanovic montre l’intérêt qu’il porte à ce texte en ne nous en infligeant que quelques phrases éparses, ânonnées par le comédien en répétition « à l’italienne ».

En revanche nous n’échappons pas à l’ennui avec une discussion interminable entre un Bosniaque et un Serbe à propos de Gavrilo Princip, le tristement célèbre nationaliste qui, en tuant l’archiduc François-Ferdinand, héritier du trône de son oncle François-Joseph, empereur d’Autriche-Hongrie, déclencha la première guerre mondiale, guerre qui se serait déclenchée, de toutes façons !

Traqué dans Chicago

 

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City that Never Sleeps (Traqué dans Chicago) de John H. Hauer (1953)

John Kelly est flic et fils de flic. Mais il ne désire que quitter à la fois la police et sa femme pour partir en Californie avec Sally, sa maîtresse, qui est chanteuse dans un cabaret.

Warner, un ancien comédien qui est chargé de faire l’automate dans la vitrine de la boîte où travaille Sally, est amoureux de celle-ci. Mais Sally espère toujours que Johnny va tout abandonner pour la suivre.

Johnny a déjà écrit sa lettre de démission, mais il doit enquêter sur la mort d’un riche avocat Biddel qui a été assassiné par son ancien homme de main, Stewart, qui est aussi l’amant de la femme de Biddel. Le complice de Stewart est le jeune frère de Johnny.

Le scénario et la réalisation se traînent beaucoup, mais la scène des larmes de l’automate lorsque Sally lui avoue qu’elle l’aime (des larmes qui risquent de lui coûter la vie) est un moment inoubliable. Le noir et blanc est d’une qualité extraordinaire dans les images de Chicago nocturne.

Snake Eyes

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Snake Eyes (1993) d’Abel Ferrara

(Ciné-Cinémas – 17/09/99)

Le réalisateur Eddie Israel tourne Lady of Mirrors avec Sarah Jennings, star de films commerciaux et Francis Burns, alcoolique et violent. Le tournage est très tendu. Eddie a une aventure avec Sarah.

Après une réplique particulièrement inepte, Sarah rit et dit : « On se croirait dans une pub pour tampons hygiéniques !». Imaginez un film corréalisé par Cassavetes et Lelouch et interprété exclusivement par des étudiants de l’Actor’s Studio (tout ce que j’aime !) et vous aurez une idée vague de ce que peut représenter cette « pub pour tampons hygiéniques » de plus de 100 minutes. Petite parenthèse : les pubs en question ne sont pas, elles, hystériques.

C’est très tendance « grunge », les critiques français adorent ça et on est allé jusqu’à évoquer La Nuit américaine. Rien à voir pourtant, entre la mièvrerie bien fagoté de Truffaut et ce brouet à la fois léger au niveau du scénario et lourd au niveau des dialogues qui vont jusqu’à atteindre une imbécillité rare (ce n’est pas pour rien que j’ai évoqué Lelouch).

Madonna est superbe, Harvey Keitel est ridicule et James Russo est lamentable. Au niveau de la réalisation, c’est mal fichu, sous-exposé et sans intérêt.

City of Hope

 

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City of Hope (1992) de John Sayles

Nick Riccardi est le fils d’un important entrepreneur de travaux publics Joe Riccardi. Avec deux loubards, il participe à un cambriolage dans une boutique de nuit. Ses deux complices sont arrêtés. Carl, un garagiste magouilleur qui « fricote » avec l’assistant du procureur, était au courant du projet de hold-up et dénonce Nick, ce qui va permettre aux hommes de main du maire qui est lui-même à la solde des promoteurs, de faire pression sur Joe pour qu’il ferme les yeux sur l’incendie d’un des immeubles de logements sociaux dont il est propriétaire.

 

Pendant ce temps, Wynn, un conseiller municipal noir, se bat sur deux fronts : il doit lutter à la fois contre les magouilles des politiciens blancs corrompus et contre les manœuvres démagogiques des militants noirs à la solde des « noirs extrémistes ».

Les magouilles populistes d’une municipalité « WASP » et l’acharnement politicard de « La Nation de l’Islam » mettent le feu aux poudres dans une petite ville du New Jersey.

La dénonciation est efficace et le film d’une grande virtuosité, comme toujours chez John Sayles, principalement dans la fluidité avec laquelle on passe d’un personnage à l’autre. On penserait aux meilleurs Altman (Un mariage ou Short Cuts), si ce n’était le manichéisme des personnages.

Bien que moins réussi que Lone Star, City of Hope est une œuvre de qualité, peut-être un peu trop longue et avec quelques facilités sur la fin.

Blanche-Neige et le chasseur

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Snow-White and the Huntsman (Blanche-Neige et le chasseur)

de Rupert Sanders (2012)

 Il y a très longtemps (il était une fois, comme on dit…), un couple royal très bon et très juste régnait sur un pays de forêts, de beaux châteaux de nains et de fées.

La reine mit au monde une petite fille aux lèvres rouges comme le sang, aux cheveux noirs comme l’ébène et au teint pâle comme la neige : elle fut nommée Blanche-Neige.

Mais sa mère mourut alors qu’elle n’était qu’une enfant, le jour même où une armée de soldats envahit le royaume.

Les armées du roi terrassèrent ces soldats et trouvèrent une prisonnière, Ravenna.

Mais en réalité, cette armée était une armée de fantômes dirigés par Ravenna elle-même qui séduisit le roi, se fit épouser et assassina son mari.

Pour que le royaume lui appartienne, elle n’eut donc plus qu’à se débarrasser de Blanche-Neige.

On est plus ici dans Le Seigneur des anneaux de Peter Jackson que chez les frères Grimm ou, à fortiori, chez Walt Disney.

C’est du bon gros blockbuster hollywoodien avec un son à décoiffer un chauve (je sais de quoi je parle !) et des effets numériques à la pelle.

Blanche-Neige n’est plus l’oie blanche d’un conte pour enfant, mais une sorte de Jeanne d’Arc laïque qui lutte, sans jamais rien céder, non pour donner la couronne à un improbable dauphin, mais pour reprendre le pouvoir tombé entre les mains d’une dangereuse magicienne.

Et elle triomphera de tout.

Somptueux livre d’images, le film nous transporte dans un moyen-âge gothique terrifiant et nous fait décoller pendant deux heures.

Kirsten Stewart incarne cette Blanche-Neige guerrière avec tout le panache requis. Chris Hemsworth (le chasseur) et Sam Clapin (le prince William) sont un peu moins convaincants, sans vraiment démériter.

On retrouve toujours avec plaisir Ian Mac Shane, Toby Jones, Johnny Harris, Ray Winstone, Eddie Marsan, Nick Frost et surtout Bob Hoskins en nains plus belliqueux et plus retors que chez Walt Disney.

Sam Spruel qui est Finn, frère amoureux, incestueux et fanatique de Ravenna, la reine démoniaque, est un superbe méchant « qu’on aime haïr » selon la formule consacrée.

Charlize Theron, épine dorsale de ce conte noir, serait assez fabuleuse si elle n’en faisait un poil trop : on a un peu envie de la rebaptiser « Charlize Therique » !

Mais il faut reconnaître que, pour un premier film, c’est assez brillant et que Rupert Sanders, faute d’une forte personnalité qui ne manquera certainement pas de s’affirmer avec le temps, fait preuve de beaucoup de panache.

City Hall

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City Hall (1993) d’Harold Becker

Eddie Santos, inspecteur de la brigade des stupéfiants de New York, rencontre Tino Zapatti, frère de l’un de ses indics et neveu d’un ponte de la mafia. La rencontre tourne mal : le policier et le trafiquant s’entretuent, tuant également un petit garçon de six ans.

Le maire de New York John Papas est très embarrassé, mais ses dons de tribun assez démagogiques le font acclamer à l’enterrement de l’enfant.

L’assistant de Papas, Kevin Calhoun, enquête sur le fait que le juge chargé du procès du trafiquant avait recommandé la mise en liberté conditionnelle, contre toute logique. Calhoun découvre alors une vaste affaire de corruption qui remonte au plus haut niveau.

Bien ficelé, en dépit d’un scénario trop bavard et d’une réalisation assez fade, « City Hall » est dominé par l’interprétation hors pair d’Al Pacino dont les partenaires (Danny Aiello, John Cusack et le reste de la distribution) sont réellement à la hauteur. Un bon suspense politico-policier.

Mon grand

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So Big (Mon grand) de Robert Wise (1958)

Selina, à la mort de son père, devient institutrice dans un petit village. Elle loge chez une famille d’origine hollandaise dont le fils ne va plus à l’école. Selina s’aperçoit qu’il est doué pour le piano et elle devient son amie.

Elle fait la connaissance de Pervus de Joug, un veuf qui l’épouse. Elle a un fils, Dirck qu’elle appelle « mon grand ».

Pervus meurt et Selina va continuer à se battre seule pour que son fils devienne architecte.

Le film commence en mélodrame rural et finit en mélodrame bourgeois. Sterling Hayden et Jane Wyman nous offrent quelques moments qui auraient pu être beaux, mais on ne croit pas une minute à l’histoire de cette femme qui met un point d’honneur à ne rien devoir à personne, mais qui fera fortune grâce à une amie d’enfance retrouvée « par hasard », péripétie qui ressemble furieusement à l’issue de secours de scénaristes à la dérive.

Seule l’interprétation est tout juste passable dans ce navet sans le moindre intérêt à plus d’un titre. Car, si l’on met à part la platitude de la réalisation de Wise, on ne comprend vraiment pas ce qui a pu pousser trois producteurs successifs à réaliser trois adaptations de ce roman d’Edna Ferber dont il y a fort à parier qu’il ne fait pas partie des fleurons de la littérature américaine.

Citizenfour

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Citizenfour (2015) de Laura Poitras

Edward Snowden et d’autres cadres de la N.S.A. ont été éconduits par l’administration Obama, après avoir demandé une moralisation de certaines collectes de données illégales en 2009.

Snowden entre en contact avec Greenwald, journaliste au Guardian en décembre 2012 et un mois plus tard, il se met en rapport de manière anonyme avec la documentariste Laura Poltras.

L’identité de Snowden ne sera rendue publique qu’en juin 2013.

Pendant que Snowden raconte à Greenwald tout ce qui concerne les écoutes illégales de la N.S.A., les Américains et leurs laquais britanniques usent de tous les moyens de pression possibles pour stopper Greenwald et Poltras, allant jusqu’à retenir 9 heures en détention le compagnon de Greenwald.

Même si je regrette d’avoir quelque peu « zappé » la première demi-heure du film pour une raison sur laquelle je m’étendrai pas (c’est le cas de le dire !) tant elle m’est habituelle (surtout les premières demi-heures de film), même si je regrette ça, dis-je, je dois dire que le reste est passionnant.

Et je dois dire qu’on est assez subjugué (et pensif) devant les méthodes semi-gestapistes employées par les agents tant américains que britanniques : menacer la vie de proches ou de parents de quelqu’un qu’on voudrait avoir sous la main, ça évoque un peu le KGB, non ?

Et c’est précisément un ex-patron du KGB, le peu fréquentable Vladimir Poutine, qui sera le seul chef d’état à accorder un asile politique à Snowden.

Le film ne fait aucun commentaire là-dessus et c’est tant mieux : après tout, quand vous risquez 127 ans de prison de la part de « la plus grande démocratie du monde » pour avoir fait œuvre de salut public en dénonçant les turpitudes crapoteuses et cancanières de ladite démocratie, vous allez vous abriter là où vous pouvez.

Ciment, le Diafoirus foireux de la critique cinématographique française, en vieux con américano-maniaque qu’il est (maître de conférences en civilisation américaine à Paris VII) a dénoncé, la bouche en cul de poule, le « comportement » de Snowden et s’est cru obligé, au nom de ça, de vilipender le film. Pauvre type !

Revenons au film. Il est bon, bien fait, passionnant et se regarde un peu comme un thriller.

Un thriller dont le grand méchant serait l’oncle Sam.

La Sociale

 

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La Sociale (2016) de Gilles Perret

Née du programme utopique du Comité National de la Résistance, le programme dit « des jours heureux » (qui ne l’étaient pas vraiment, car on était en pleine occupation), la Sécurité Sociale a été mise en place en 1946.

Des experts, des syndicalistes nous racontent son histoire chaotique, tout particulièrement à travers la biographie d’Ambroise Croizat, responsable départemental CGT en 1946.

« Dans une France libérée, nous libérerons les Français des angoisses du lendemain » disait Croizat, devenu ministre (communiste) du travail du gouvernement De Gaulle.

La Sociale est la suite logique des Jours heureux, le précédent film de Gilles Perret.

En ces temps de populisme gluant et de technocratie mercantile, c’est, comme son prédécesseur, un film sain qui remet les pendules à l’heure.

Curieusement, pour un film-thèse, il met (presque) tous ses œufs dans le même panier. C’est la parole de syndiqués, hommes et femmes, jeunes et vieux, que nous entendons.

Il faut bien reconnaître que les (rares) opposants à « la sociale » que présente le film, ainsi que tous ceux qui ne semblent pas trop en accord avec ses thèses, sont présentés de façon à sembler un peu ridicule.

On remarquera tout particulièrement une sorte de Trump à la française qui débite un discours surréaliste sur le thème du « fond communiste de la politique française » ; un communisme comparable à celui de « Cuba ou de la Corée du Nord » (sic !).

Petite mention également pour la prestation courte, mais notablement ridicule du ministre du travail (tout au moins, à l’époque du tournage…) Rebsamen qui, bien sûr, va rejeter, sur un ton grotesque, suffisant et méprisant le rôle essentiel d’Ambroise Croizat.

Ces deux interventions ont d’ailleurs été accueillies par des ricanements, y compris les miens, dans la salle où je l’ai vu.

La Sociale reste l’un des meilleurs films de cette année 2016.

Cirkus Columbia

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Cirkus Columbia (2010) de Danis Tanovic

 En 1991, en Bosnie-Herzégovine, Divko revient dans son village qu’il a quitté pour l’Allemagne il y a vingt ans. Ce faisant, il a également quitté sa femme Lucija et son fils Martin.

Il revient au pays avec une nouvelle femme, Azra, une vieille Mercedes et son chat Bonny.

Depuis la chute du communisme, il envoyait régulièrement de l’argent au nouveau maire, et, de ce fait, il a pratiquement tout subventionné depuis quelques mois.

Son retour dans « sa » maison jette son ex-épouse et son fils Martin à la rue, alors que la Croatie voisine a fait sécession et que la Bosnie Herzégovine commence aussi à quitter la fédération yougoslave.

Telle Clara Zahanassian, l’héroïne de La Visite de la vieille dame de Friedrich Dürenmatt, Divko qui fut chassé pour son anti-communisme a distribué les subsides à toute la ville ce qui lui permet de faire jeter son ex-femme de hors de sa maison, de mal se conduire avec tout le monde et d’exhiber sa nouvelle femme comme un trophée.

De même, il offre 2000 deutsche marks pour qu’on retrouve son chat, tout comme Clara exigeait la mort de l’homme qui l’avait abandonnée contre un milliard.

Si l’anecdote fait penser à la pièce de Dürrenmatt, l’ambiance générale sur fond de guerre et d’éclatement de la Yougoslavie, évènements dont, nous, spectateurs de 2011, savons très bien quel lot d’atrocités les accompagna, cette ambiance, donc, fait penser à ces évènements absents/présents dans Santiago 73, post-mortem.

Rien ne se passe réellement sous nos yeux à part quelques brutalités militaires et les allusions faites par certains personnages du film.

Le dernier plan qui clôt l’histoire explique le titre du film et nous fait voir la première explosion, mais en arrière plan.

La force de Tanovic, c’est de faire deviner l’Histoire derrière son histoire, celle de Divko, Lucija, Azra et Martin.

Le film est attachant comme ses personnages qui semblent des stéréotypes antipathiques, mais qui, au bout du compte, vont devenir autre chose : le puceau devient amant responsable, la mégère intransigeante devient femme douce, l’opportuniste bourré de fric devient un père héroïque et… la vamp écervelée devient une femme amoureuse.

On a beaucoup comparé Tanovic à Kusturica (évidemment !), en rappelant toutefois que Tanovic serait un Kusturica sans le style baroque et sans la musique de Bregovic. En dehors du fait qu’ils sont tous deux natifs de Bosnie-Herzégovine, il n’y a pas grand-chose de commun à leurs talents cinématographiques respectifs si ce n’est qu’ils en ont beaucoup.

La Sociologue et l’ourson

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La Sociologue et l’ourson (2015)de Etienne Chaillou et Mathias Théry

Le projet de loi portant sur « le mariage pour tous » est présenté au conseil des ministres le 7 novembre 2012. La loi sera promulguée le 18 mai 2013.

Entretemps, ce seront six mois de débat, de manifestations, principalement des opposants à la loi.

Mathias Théry, un des deux réalisateurs, demande à sa mère, Irène Théry, sociologue, de revenir sur les différents évènements qui ont émaillé ces six mois de « guerre civile (à peine) feutrée ».

Et toute l’histoire est transposée dans un univers de peluches et de cartons.

On l’a beaucoup dit : la loi sur le mariage pour tous a libéré la parole homophobe.

Marqueur « de gauche », cette mesure faisait partie des promesses électorales du candidat Hollande. Ce fut l’une des rares qui fut tenues : certaines mauvaises langues -dont je suis- prétendent même que ce fut la seule. Et comme d’autres mesures de gauche (par le passé, parce que pour ce qui est du présent… !), la loi sur le mariage pour tous a aussi libéré la parole réactionnaire, l’intégrisme cul-béni et le proto-fascisme.

Le débat dura six mois et fut houleux. Certains cathos intégristes découvrirent ce que c’était que de manifester et découvrirent avec stupeur (mais sans délice) les joies des gaz lacrymogènes.

Mathias Théry joue les faux ingénus auprès de sa mère Irène Théry qui défendit la loi et lui raconte, un peu comme on raconte à un enfant (c’est normal : c’est son fils !), les manifs, les débats, les antagonismes, principalement avec celle qui fut l’égérie de la manif pour tous, Virginie Merle alias Frigide Barjot. C’est un peu, en quelque sorte, « le mariage pour tous » pour les nuls.

Bien sûr, trois ans plus tard, « la manif pour tous » ressemble aujourd’hui à un combat d’arrière-garde, au même titre que le combat contre l’avortement, la restauration de la peine de mort en France, voire la restauration de la monarchie.

Tous ces personnages (Barjot comprise) ont, dans le film, un avatar sous la forme d’un ourson en peluche. Du réalisateur, nous ne verrons d’ailleurs que cet avatar.

Réalisé avec talent et beaucoup d’intelligence, La Sociologue et l’ourson fait constamment preuve d’un humour décapant en jouant souvent sur le contraste du propos sérieux que tient la sociologue avec son fils et l’image la représentant en « oursonne », ce qui permet à Mathias Théry de nous plonger dans son intimité familiale sans jamais être indécent ou impudique.

Mais l’humour est également présent dans le simple télescopage des images « réelles » de la manif pour tous.

Mathias Théry nous livre ses conversations (souvent téléphoniques) in extenso ce qui lui permet une très réjouissante mise à distance.

L’entreprise était risquée : elle est intelligente, pédagogique et drôle et elle est couronnée de succès.

Une vraie réussite !

Le Cirque

 

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The Circus (Le Cirque) de Charles Chaplin (1927)

Dans un  cirque au bord de la faillite où le directeur bat sa fille écuyère, un vagabond poursuivi par la police fait hurler le public de rire. Il est engagé par le directeur comme accessoiriste : il ignore qu’il est, en fait, le clou du spectacle

Comme toujours, Chaplin se sert d’un sujet dramatique assez standard pour rendre hommage au cirque. Chaque gag est une invention, mais la mièvrerie chaplinesque l’emporte souvent, surtout dans la version sonorisée de 1969 que le « maître » en plein déclin a agrémenté d’une musique insupportable et d’une chanson de générique parfaitement ridicule.

N’en déplaise aux beaux esprits et au cinéphiles boy-scouts, le « génie » de Chaplin n’est pas toujours inaltérable.

Sœurs d’armes

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Sœurs d’armes (2019) de Caroline Fourest

Zara, jeune Kurde Yézidie, vit en paix avec sa famille dans son village du Kurdistan syrien.

Une rafle de daech a lieu dans son village. Elle est enlevée comme esclave sexuelle. Sa mère et son petit frère sont également enlevées. Son frère aîné parvient à s’enfuir et leur père est assassiné.

Kenza et Yaël arrivent de France : elles veulent se faire engager par l’armée kurde pour lutter contre daech. Elles seront sous les ordres de la Commandante.

Zara, qui est parvenue à s’échapper, est engagée dans le même détachement.

Comme on dit dans les médias, Caroline Fourest est une « personnalité clivante ».

Passionaria acharnée de la cause des femmes et des homosexuels et contre l’intégrisme religieux pour les uns, elle est la représentante-type du « prêt-à-penser » d’une « ultra-gauche » version soft, philosémite et, par voie de conséquence, islamophobe pour les autres.

Plus simplement, Caroline Fourest soutient des causes que soutiennent toutes les personnes censées ce qui lui permet de « plaire à tout le monde ». Mais voilà ! Plaire à tout le monde, c’est impossible et la polémiste aurait dû le savoir, car non seulement c’est impossible, mais ça l’a toujours été !

En fait, si Caroline Fourest veut être aimée par tout le monde, c’est qu’elle a beaucoup de mal à admettre la critique : d’ailleurs – je résume ! – ceux qui la critiquent sont « des cons » qui tiennent des « propos dégueulasses » et soutiennent les « thèses complotistes, racistes, antisémites, “djihadistes” » bref, l’injure suprême pour tous ceux qui ne sont pas d’accord avec vous, « nazis » !

Partant de ce principe, pour la journaliste, polémiste et néo-réalisatrice de films de fiction, l’ensemble de la presse française est, probablement, digne du troisième reich.

  Qu’on en juge : « inégal et maladroit », « dialogues lourdauds », « pensum simpliste et indigeste », « où la mièvrerie le dispute à l’invraisemblance », « utilisation pompière du ralenti et de la musique », « qui englue le drame dans la guimauve », « spectacularisation balourde de la violence », « équivoque et embarrassant », « caricature du genre » …

Soyons justes ! L’antipathie irrépressible que d’aucuns éprouvent pour la polémiste qui voudrait tellement être aimée a peut-être « orienté » les critiques vers plus de « malveillance » et le film n’est pas aussi mauvais que ce que tout le monde en dit.

Mais il est vrai que ce n’est pas très bon. Fourest n’évite aucun poncif et ne sait pas très bien réaliser. Certaines scènes plongent le film dans une épouvantable mélasse de ridicule comme l’évocation fredonnée du Bella Ciao, puis du Chant des partisans pour souligner que ces femmes sont des « antifascistes » comme les partisans italiens et les résistants français !

Reste un casting impeccable et un film qui, somme toute, se laisse voir… mais à peine !

Mais on a vu tellement pire !